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1958, bereits mit 14 Jahren, begann Margit Matthews (Jahrgang 1944), in Düsseldorf, ihre Lehre
zur Fotolaborantin und danach zur Fotografin im namhaften Fotoatelier Hehmke-Winterer,
das – bereits seit 1935 – von Erna Wagner-Hehmke alleine geleitet wurde. Portrait- und Sach-
aufnahmen, aber auch Industrie- und Werbe-Fotografie gehörten zur intensiven Ausbildung.
Praxis erlangte Frau Matthews während ihrer Tätigkeiten für Bayer Farbenfabriken (Lever-
kusen), für die Werbeagenturen Dorland und Haase (beide in Düsseldorf), in Frankfurt am Main
im Battelle-Institut, im Frobenius-Institut und im Historischen Museum. Expeditionen und Exkur-
sionen führten sie zu den Felsbildern des Tassili (Sahara), in skandinavische Länder, nach Spanien,
Mexiko, Jordanien, Israel, Jemen und in verschiedene Städte und Provinzen der VR China. Überall
entstanden wunderbare Fotoserien, von denen viele in Bildbänden, Kunstdokumentationen, wissen-
schaftlichen Publikationen und Dokumenten zu Forschungsarbeiten veröffentlicht wurden.
Die Künstlerin Matthews arbeitet seit 1989 als freie Fotografin in Frankfurt am Main.Die Fotografie ist
das Malen, das Zeichnen mit Licht, mit Helligkeit.
Wie bei jedem Künstler ist das Erlernen und Trainieren des Handwerks und der Umgang mit den
zur Verfügung stehenden Mitteln – beim Fotografen der Einsatz einer bestimmten Kamera-Art,
die Auswahl des Objektivs, der Belichtung; ebenso, wie die Techniken der Film- und Bildent-
wicklung (Entwickler-Flüssigkeit und -Reaktionszeit), der Kenntnis der verschiedenen Fotopapiere
– unerlässliche Voraussetzung, zur Umsetzung der gestellten Aufgabe.
Die Ansicht Unkundiger, der Fotograf drücke lediglich auf den Auslöser, ist widerlegt! – Das ge-
schulte Auge des Fotografen entdeckt besondere Situationen, reizvolle Perspektiven, interessante
Farben usw. Vor seinem geistigen Auge entsteht sogleich das Bild, welches zu erzielen es gilt.
Bereits beim Fotografieren kann der Fotograf Einfluss nehmen; im Labor folgt die Ausführungund
Vollendung .
Wie jedem Künstler stehen auch dem Fotografen alle Freiheiten der Gestaltung und der Einsatz der
Mittel zur Verfügung.
Die Arbeiten von Margit Matthews zeigen, in ausgezeichneter Weise, wie präzise die Fotografin
arbeitet und wie die Künstlerin: in dem Moment, in dem der Fotograf aufhört, Naturalismus an-
zustreben und für sich die Vielzahl der Möglichkeiten restlos ausnutzt, setzt die künstlerische
Leistung ein.
Es darf keine Rolle mehr spielen, wo das Foto entstanden ist (Beispiel: die Strukturaufnahmen)
oder wie sich ein Objekt in seiner Gänze präsentieren würde (Beispiel: sowohl die bizarren
Blütenformen mit ihrer starken Farbigkeit, als auch die „weißen“, fast ätherisch wirkenden) .
Einzig die Gestaltung, der sich durch die richtige Auswahl des Ausschnittes ergibt, ist maß-
gebend. „In der schöpferischen Fotografie ist das Objekt ausschließlich Träger einer Idee.“,
äußerte Andreas Feininger.
Margit Matthews ist die Fotografin, ist die Malerin, ist die Zeichnerin mit Licht, mit Helligkeit,
ist die künstlerische Gestalterin.
(Andreas Feininger formulierte:) Die Dokumentfotografie ist dem Journalisten gleich – die
schöpferische Fotografie ist dem Schriftsteller und Lyriker gleich.

Ausstellungen (Auswahl):
1992:
(E) bewegte Stille, Frankfurter Volksbank / Börsenstraße, Frankfurt am Main
2002:
(B) form + farbe, AKM / Künstlerhaus Metternich / Koblenz
(B) Übergänge, KEG / McNair-Kaserne, Frankfurt am Main-Höchst
(B) Wertmöbel-Kunstausstellung, Fulda
2003:
(B) Künstler des Mittelrheins, AKM / Kuratorium für Kunst / Zehnthaus, Jockgrim
2004:
(B) Künstler am Beginn des 21.Jhs, AKM / Künstlerhaus Metternich, Koblenz
(B) Künstler des AKM, Petah Tikva (Israel)
(E) Fotos aus dem Jemen, Galerie im Gang “Alles künstlich”, Frankfurt am Main
2005:
(E) Fotos aus den Hutong in Peking, Galerie im Gang “Alles künstlich”, Frankfurt am Main
2007:
(B) Helke Stiebel – Margit Matthews, AKM / Künstlerhaus Metternich, Koblenz
(E) ein letzter Blick, Frankfurter Presseclub, Frankfurt am Main
2008:
(B) sechzig jahre akm – form + farbe, AKM / Künstlerhaus Metternich, Koblenz
(E) Bilder der Fotografin Margit Matthews, Anwaltskanzlei Link, Frankfurt am Main
2009:
(E) die Hutongs von Beijing, Konfuzius-Institut, Frankfurt am Main
2010:
(E) Zauber der Vergänglichkeit – Fotografien, Galerie im Gang “Alles künstlich”, Frankfurt am Main
(E) Arbeiten von Margit Matthews, Galerie m50, Frankfurt am Main

Galerie m50 zeigt eine Auswahl der, in den Jahren 1962 bis 2009 entstandenen,
Arbeiten des Künstlers und Dozenten Walter Henn, der 1937 in Frankfurt am Main
geboren ist und dort und in Richelbach im Odenwald lebt und arbeitet.
Nach Abschluss seiner Schreinerlehre besuchte er zunächst die Werkkunstschule in
Offenbach am Main (1957-59), dann die Städelschule in Frankfurt am Main; seine
Lehrer dort waren Professor Albert Burkart und Professor Johannes Schreiter. Henn
verließ die Akademie 1965 als Meisterschüler.
Walter Henn lehrte in der Europäischen Kunstakademie Trier, in der Kunstakademie
Bad Reichenhalls und lehrt bis heute an der Frankfurter Akademie für Kommunikation
(heute: academy of visual arts).

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Die gezeigten frühen Arbeiten sind noch völlig dem Informel verhaftet. Aber das relief-
artig Aufbrechen der Oberfläche und der Ausdruck von Geistigem und Emotionalem,
das dem Informel eigen ist, war Vorbereitung für die folgenden Arbeiten des Künstlers.
Er löste sich bald und widmete sich – neben der Malerei – der Zusammenstellung von
Dingen des alltäglichen Gebrauchs, deren Form und Farbe ihn interessierten und inspi-
rierten. Es entstanden Collagen aus verschiedensten Materialien, die mit den Werken
der arte povera die Schlichtheit gemeinsam haben.
Jedes Material kann Verwendung finden. Der Künstler Henn trägt sie zusammen, ge-
staltet und arrangiert – der Handwerker Henn biegt, schneidet, schnitzt, sägt, leimt,
trägt Farbe auf. Die solide handwerkliche Ausbildung beider Disziplinen und die
langjährige Seh- und Praxis-Erfahrung vereinen sich trefflich.
Stete Anregung aus der, ihn gerade umgebenden, Landschaft lässt ihn selbst foto-
grafierte Motive verarbeiten; so z.B. in seinen Linienbildern.
Aber immer wieder ist es auch die reine Farb-Malerei, die verdichtet aber elastisch
zugleich ist.
Einfallsreichtum, der Mut und die Freude am Experimentieren zeichnen Walter Henns
Werk aus. Und immer wieder auch die Arbeit mit Holz, dem Material, mit dem er
begonnen hat. Henn hat eine Vielzahl von Holzschnitten angefertigt; in ihrer Rein-
form oder auch mit dem modernen Medium der Fotokopie kombiniert. Diese Serien,
die bereits über 200 Arbeiten umfassen, nennt er seine encycopaedia simplicia. – Enzy-
klopädie ist die Übersicht und umfassende Darstellung des gesamten vorliegenden
Wissensstoffs.  -  Hier nicht in alphabetischer Reihenfolge sondern in Kombination
von Piktogramm und Abbildung.
Walter Henns Werk ist die Collage. Farbwerte, Formen, Materialien, Gedanken
und Empfindungen sind kombiniert und lassen ein spannendes Seherlebnis zuteil werden.

about the artist:

The artist and academic teacher Walter Henn, born 1937 in Frankfurt am Main,
working and residing in Frankfurt as well as in Richelbach im Odenwald, shows a
selection of his works created between 1962 and 2009. After having completed
his apprenticeship as a carpenter he visited the Werkkunstschule in Offenbach am Main
(1957-59), followed by the Städelschule in Frankfurt am Main, where his teachers
were Professor Albert Burkart and Professor Johannes Schreiter.  He completed his
studies at the academy as a master. Walter Henn taught at the European Academy of Arts
in Trier, the Academy of Arts in Bad Reichenhall and until today teaches at the Frankf-
furt Academy of Visual Arts. His early works are totally bound to the “l’art informel”.
The relief-like broken structure of the surface and the expression of intellect and
emotion, which is typical for “l’art informel”, prepared him for his future works. He
detached himself soon and devoted himself, apart from his painting, to compiling ordinary
utensils with each other, the color and form of which interested and inspired him.
Collages of different materials developed, which have the simplicity in common with
the works of “arte povera”. Every type of material can be used. The artist Henn places
them together, arranges and designs – the craftsman Henn bends, cuts, carves, saws,
glues and applies paint. His sound xylographs; in their original form as well as in combi-
nation with the modern medium of photocopying. This series, which already consists
of over 200 works craftsmanship education in both areas as well as his long observation
and hands-on experience contemplate each other. Continuous inspiration from his sur-
roundings enables him to work with photographed landscape themes; as shown for
example in his “linear paintings”. But time again,  it is also true color painting, which is com-
pact and flexible at the same time. Walter Henn’s art distinguishes itself by ingenuity and
his courageousness and delight to experiment. And always again working with wood,
the material he started off with. Walter Henn has crafted numerous xylographs; in their
original form as well asin combination with the modern medium of ohotocoying. This
series which already consists of over 200 works, he calls his “encyklopaedia simplicia”.
Encyclopedia being the overall and complete description of the acquired knowledge
– not alphabetically sorted, but the combination of pictograph and illustration. Walter
Henn’s work is the collage. Colors, forms, materials, thoughts and impressions are
combined together, giving us an exciting observing adventure.

Einzelausstellungen (solo exhibitions):

Ausstellungsbeteiligungen (exhibitions together with other artists):

]]> http://galerie-m50-wittner.de/index.php/aktuell/walter-henn/feed 0 http://galerie-m50-wittner.de/index.php/aktuell/431art http://galerie-m50-wittner.de/index.php/aktuell/431art#comments Wed, 07 Apr 2010 12:52:58 +0000 admin http://galerie-m50-wittner.de/?p=283 Ausstellung: 24.04.10 um 11h – 10.06.2010 / finissage ab 16h
DI + DO: 16-19h,  SO: 10.30-14h und nach Vereinbarung

Galerie m50 zeigt, vom 24.April bis zum 10.Juni 2010, grafische, malerische
und installative Arbeiten des Künstlerduos 431art (Haike Rausch und Torsten Grosch).
Die beiden Künstler arbeiten seit rund 12 Jahren gemeinsam an multimedialen,
interdisziplinären und partizipatorischen Projekten. Ihre konzeptuelle Arbeitsweise
bringt Werke unterschiedlichster Kunstgattungen hervor. 2009 riefen sie das Projekt
“botanoadopt” und die “Pflanzenklappe” ins Leben.
Im Mitscherlichhaus in Frankfurt-Höchst haben beide ihr Atelier.

Sonderaktion vom 25.5.10 – 3.6.10: “Pflanzenklappe” botanoadopt

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zur Ausstellung
Bildgruppen und eine Installation gliedern die Ausstellung Prozess und Duktus.
Zu sehen sein werden gegenstandsfreie malerische Arbeiten auf Leinwand,
die die Bildautonomie thematisieren. – Die reduzierten, atmosphärischen,
in beige-grau-Tönen gehaltenen Bilder verändern sich nach Beendigung
des Malprozesses durch die Reaktion mit Luft und Licht.
Der zweite Bildzyklus besteht aus schwarz-weißen Bleistift-/Tusche-Zeichnungen.
Eine prozesshafte, intuitive Bildfindung generiert Geflechte aus Linien und auf der
Bildfläche versprengten Formen.
Fruchtstände bestimmen die Farb- und Formgebung der dritten Serie auf Papier:
fragile Bildmotive in zurückhaltenden Farben.
Die Installation “vlf-cube” besteht aus einem Kubus, auf dem sich eine Petrischale
mit Quellwasser befindet. Dieses wird, mittels eines Audio-Signals, in Schwingungen
versetzt und bildet fraktale Schwingungsbilder, die durch eine Videokamera live
abgenommen und auf einem Monitor dargestellt werden.

Haike Rausch
geboren in Rotenburg/Fulda, aufgewachsen in Frankfurt/Main.
Studium der Visuellen Kommunikation in Wiesbaden (University of applied sciences),
mit Schwerpunkt Zeichnung und Plastik.
Arbeit als Grafik-Designerin, Artdirektorin und Künstlerin.
Seit 1990 freischaffend in Frankfurt.
1995 Begegnung mit Torsten Grosch.
1996 erste Video Arbeit
1996 Gründung der Künstlergruppe 431art.

Torsten Grosch
geboren in Hilden, Kreis Mettmann, aufgewachsen in Düsseldorf.
Freelance Photograph in Düsseldorf.
Studium Kommunikationsdesign mit Schwerpunkt Film und Fernsehdesign
in Mainz (University of applied sciences).
1991 Konzeption eines sechsteiligen Video-Kunst-Forums, Galerie Simulakrum Mainz.
Arbeit als Creativ Director für Film und Fernseh Produktionen und Künstler.
Seit 1992 freischaffender Künstler mit Atelier in Mainz.
1995 Begegnung mit Haike Rausch.
1996 Gründung der Künstlergruppe 431art.

431art
Zahlreiche interdisziplinäre Kunstprojekte und Ausstellungen. Ihre Arbeiten
wurden mehrfach auf den Langen Nächten der Museen, in Kunstvereinen,
Galerien und Museen in Europa, China und Südamerika gezeigt und befinden
sich in namhaften öffentlichen Sammlungen.
Beide sind Mitglied im Deutschen Künstlerbund.
“Haike Rausch und Torsten Grosch entwickeln als Künstlerteam 431art seit
über zehn Jahren gemeinsam künstlerische Projekte. Sie begreifen ihre
Arbeitsweise als „Abtastungen“ von Phänomenen und Vorgängen, die sie in
der Natur, der Sphäre der Arbeit oder allgemein im Politisch-Sozialen vorfinden.
Durch situative Verfremdungen des Blicks auf die Gegenstände irritieren sie
vertraute Wahrnehmungsmuster und nehmen so dem scheinbar Selbstverständ-
lichen seine Quasi-Evidenz.
Als Wanderer zwischen verschiedenen Kunstgattungen verwischt 431art auch die
Grenze zwischen gewohnten ästhetischen Rezeptionsformen. Ihr überbordendes
Spiel mit verschiedenen Werkkategorien verunsichert den Betrachter und lässt
ihn das Befremdliche, nicht Klassifizierbare und Rätselhafte alltäglicher Phäno-
mene als Kunst neu und grundsätzlich anders erfahren. Die Arbeiten von 431art
leben von der Grundintention, Wahrnehmung aufzuzeichnen und diese Aufzeich-
nung zu einer künstlerischen Botschaft zu verdichten. Grafik fungiert dabei variabel
zwischen selbständiger Darstellung, Skizzierung von gedanklicher Konzeption und
Gestaltung, die im lebendigen Dialog mit der künstlerischen Arbeit Form annimmt.”
Dr. Stefan Soltek zu den Arbeiten von 431art

Arbeiten in öffentlichen Sammlungen (exhibits in public collections of):
Victoria and Albert Museum, London
Museum Meermanno-Westreenianum, Den Haag
Herzog August Bibliothek, Wolfenbüttel
Museum für angewandte Kunst, Frankfurt/Main
Kunstbibliothek Staatliche Museen zu Berlin
Public Library, New York
Library of Congress Washington DC
Klingspor Museum Offenbach
Private Sammlungen

Einzelausstellungen /Auswahl (solo exhibitions / selection):
2001     ‘Fünf Elemente’, Alter Bahnhof Völklinger Hütte, Völklingen
2002     ‘Transformationen’, Galerie Carola Weber, Wiesbaden
2006     ‘Out of the blue into the green’, muu-gallery, Helsinki
2008     ‘My private supermarket’, Ausstellungsraum Eulengasse, Frankfurt
2008     ‘Ripenings’, Bellevue Saal, Wiesbaden
2009     ’botanoadopt’, partizipatorisches Kunstprojekt im öffentlichen Raum und Internet
2010     Galerie m50, Frankfurt

Stipendien und Auszeichnungen / Auswahl (stipendia an awards / selection):
2010     Förderatelier Wohnheim GmbH Frankfurt
2009     Förderatelier der Wohnheim GmbH Frankfurt
Amt für Wissenschaft und Kunst, Frankfurt
2008     Stipendium der Stiftung Künstlerdorf Schöppingen
Interdisziplinäres Stipendium der Stiftung Künstlerdorf Schöppingen
Amt für Wissenschaft und Kunst, Frankfurt
Palmengarten, Frankfurt
2007    Stiftung Künstlerdorf Schöppingen
Kultursekretariat NRW Gütersloh
Ministerpräsident des Landes NRW
Naspa Stiftung “Initiative und Leistung”
2006    Ministerium für Wissenschaft und Kunst Hessen
Stadt Helsinki, Festival zeitgenössischer Kunst
muu gallery, Helsinki

about the artists:

Haike Rausch
born in Rotenburg/Fulda, raised in Frankfurt/Main.
Studied Visual Communication at Wiesbaden (University of applied sciences),
majoring in Drawing and Sculpture.
Work as Graphic designer, Art Director and artist.
Since 1990 freelancing as artist in her studio in Frankfurt.
1995 met Torsten Grosch.
1996 first video-artwork.
1996 founded artistic group 431art.

Torsten Grosch
born in Hilden, Kreis Mettmann, raised in Düsseldorf.
Freelance photographer in Düsseldorf.
Studied Communication Design majoring in Film and Television Production
at Mainz (University of applied sciences).
1991 Conceptualised a six part Video Art Forum, Galerie Simulakrum Mainz.
Work as Creative Director for Film and Television Production and artist.
Since 1992 freelancing as artist from studio in Mainz.
1995 met Haike Rausch.
1996 founded artistic group 431art.

431art
Their works are shown several times at the late night of the museums, in artspaces,
galleries and museums in Europe, China and Southamerica and are part of several
public collections. Both are members of Deutscher Künstlerbund.
“Haike Rausch and Torsten Grosch have been working together on art projects
under the name of 431art for more than ten years. They understand their work as
experiencing the phenomena and proceedings of nature, work situations and every-
day political – social realities. Through their estrangement of the common view,
their gaze on familiar objects breaks the habitual patterns of perception. In so doing;
they take away the supposed inherent quality, of being real, from what is considered
self-evident. As prowlers between the different expressions of art, 431art often blurs
aesthetic reception. They play with different categories of work often irritates the
observer, the spectator experiences estrangement, an inability to classify, a puzzle-
ment of everyday phenomena, experienced now as something new and totally different
in the form of an art work. In individual art shows the confrontation between graphic,
photographic, film and sonographic elements is for example expressed by oscillating
between these various forms of artistic expressions. Their artistic message is the
condensation of graphic, photography, film and sonographic elements. It is the
attempt to take these kinds of perceptions and shape them into an artistic message.
The graphical elements act as variables between the independent presentations,
sketches of intellectual and conceptualized thoughts are in lively dialogue with the
creative and artistic form.” Dr. Stefan Soltek about the artworks of 431art

Gerhard Wittner wurde 1926 in Heidelberg geboren und lebte seit seinem
3. Lebensjahr, bis zu seinem Tod 1998, in Frankfurt am Main. Von 1946 -47
nahm er Mal- und Zeichenunterricht bei Theo Garve. Von 1947 – 54 studierte
er in der Städelschule Frankfurt am Main bei Wilhelm Heise und Albert Burkart
und in der Akademie der bildenden Künste in München bei Xaver Fuhr.
Ab 1954 arbeitete er als freischaffender Künstler in seinem Atelier in Frankfurt
(in der Mendelssohnstraße 50, in der sich jetzt die Galerie m50 befindet).
Seit Ende der 50er Jahre entwickelt Gerhard Wittner eine Malerei, die auf die
Wahrnehmung der Farbe und ihre Erfahrung im Bild ausgerichtet ist. Die Be-
tonung des materiellen Charakters der Farbe, die sich in zwei frühen Werkgruppen
mit breit aufgetragenen, kontrolliert-gestischen Farbbahnen zeigt, beruhigte sich
Anfang der 60er Jahre. Dieser Klärungsprozeß zugunsten einer Reduzierung der
Farbe und einfacher, geometrischer Bildstrukturen vollzog sich in einem relativ
überschaubaren Zeitraum weniger Jahre, verlief jedoch mit einer Folgerichtigkeit,
die sich in der Rückschau als eine beinahe zwangsläufige Entwicklung darstellt.
Ab Mitte der 60er Jahre radikalisiert Wittner seine Bildsprache durch eine Konzen-
tration auf helle Grau-Töne. Dabei stehen die Wechselwirkungen der Farben im
Zentrum seines Interesses, deren subtile Ton- und Helligkeitsabstufungen durch
die Bevorzugung ruhiger, relativ kleiner Bildformate gesteigert wird. Wittners
Malerei liegt keine konzeptuelle Denkweise im Sinne einer systematischen Unter-
suchung von Farb/Form-Relationen zugrunde. Vielmehr geht es ihm um eine
Intensivierung des Wahrnehmungsprozesses, der den Betrachter in die Lage ver-
setzt, die im Bild wirksamen Spannungen zu enthüllen.
“Mich interessiert das Schwingende, Immaterielle, die Instabilität, die Bewegung,
das Bewegende,  die Loslösung linearer Bezüge, das Zueinander der Farben, das
Atmen der Farben.”
In den Arbeiten Wittners seit 1989 entstehen die, für ihn neuen, Momente kontinuier-
licher, zum Teil weicher, Verzahnungen von Farbflächen im Sinne einer Untersuchung
der Wechselbeziehungen ihrer trennenden und verbindenden Anschauungsgegeben-
heiten.

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about the artist:

Gerhard Wittner, born in Heidelberg in 1926, lived in Frankfurt since he was three years
old until his death in 1998. 1946 – 47 he was educated in fine arts by private-teacher
Theo Garve (Frankfurt am Main), then (1947 – 54) studied at the Städelschule Frankfurt
am Main (teachers were Wilhelm Heise and Albert Burkart), and at the Academy of fine
Arts in Munich (teacher was Xaver Fuhr). Since 1954 he freelanced at his own studio
in Frankfurt (Mendelssohnstraße 50, where today the Galerie m50 is located ). Since
the end of the 1950’s, Gerhard Wittner has been developing a type of painting dealing
with the perception of colour and the way it is experienced in the painting. After empha-
sising the material aspect of colour in two early groups of works with broad lanes of colour
applied with controlled gestures, he calmed down at the beginning of the sixties. This pro-
cess of clarification took place within the course of a few years and led to a reduction of
colour, to simple, geometric, pictorial structures. This process evolved with a consistency
that, in retrospect, proved to be an almost inevitable development.
Starting in the mid-sixties, Wittner radicalises his picture language by concentrating on
light shades of grey. His main focus lies on the interaction of colours, whose subtle hue
and light shades are increased by preferably using small painting formats. Wittner’s
painting is not based on any conceptual attitude in the sense of a systematic examination
of colour/form-relation-ships. He is, moreover, concerned with intensifying the process
of perception, allowing the viewer to discover the tensions effective in the picture. “I am
interested in vibration, the im-material, instability, motion, in what moves, in dissolving
linear references, in the relation of colours to each other, in the way colours breathe.”
Since 1989 Wittner evokes an aspect new to him: the continuous, at times soft linking of
colour surfaces aimed at exploring the interrelations of their ability to separate and con-
nect perception.

zur Ausstellunseröffnung
Dr. Götz J. Pfeiffer, Frankfurt am Main/Kassel
Meine sehr geehrten Damen und Herren, wie soll man über Gerhard Wittner reden? Natürlich könnte man auf einer Eröffnung wie dieser
vieles reden. Man könnte reden über Gerhard Wittners  Biographie, über sein Studium an der Städelschule und der Münchner Akademie
nach dem Krieg und darüber, dass er für mehr als 40 Jahre als freischaffender Künstler in Frankfurt arbeitete. Man könnte auch reden über Gerhard Wittners  Ausstellungen, seine zahlreiche Beteiligungen seit 1952 und die dichte Folge von Einzelschauen seit den 70er Jahren. Zudem könnte man darüber reden, was die Kunstwissenschaft über Gerhard Wittners Arbeiten geäußert hat: von „stillen Bildern“ und „Partituren der Stille“ war da ebenso die Rede wie von der Funktion der Arbeiten als „optische Polster zum Ausruhen in einer hektischen Welt“ und auch davon, dass sie eine „Entdeckungsreise für das Auge“ seien. Und gerade in dieser Ausstellung, die zwischen 1961 und ’87 entstan- dene Arbeiten in einer kompakten Retrospektive vereint, könnte man über die künstlerische Entwicklung im Œuvre Gerhard Wittners reden, könnte auch reden über seine verschiedenen Techniken: die Linoldrucke, die Malerei in Öl und Tempera, in Acryl und Aquarell wie auch die Zeichnungen in Blei- und Farbstift und Tusche. Man könnte darüber reden – aber sollte man es auch?
Sollte man sich dem Künstler nicht über seine Arbeiten nähern?
Vor einigen Jahren wurden mir in einem glücklichen Moment von einem Frankfurter Kunstsammler einige Papierarbeiten Gerhard Wittners vorgelegt; sie entsprachen jenen Tuschearbeiten dort drüben. Ich schaute und war sprachlos. Auf weißem Papier Schraffuren tiefschwarzer, kurzer Striche, darin ausgespart oder aus den Strichen verdichtet senkrechte Parallelen oder orthogonale Formen. Reduktion der künstle- rischen Mittel, formale Strenge und dabei eine Intensität, die nachgerade hypnotisch anzieht. Das Auge wandert über diese Blätter, vergleicht in kurzen Schritten, wie ein Strich seinem Nachbarn ähnelt, ihm aber doch nicht gleicht. Das Auge beginnt in der zunächst als gleichförmig erfassten Struktur winzige Verdichtungen und Weitungen zu sehen, meint in minimalen Nuancen von Dichte und Weite vielleicht ein Relief zu erkennen, das sogleich aber an Räumlichkeit verliert. So sucht das Auge eine Linie, eine Form, an der es sich halten kann, doch öffnen oder bilden sich diese im Netz der Striche so unvermittelt wie sie beim weiteren Wandern über das Blatt wieder in der Struktur aufgehen. Auf klein- stem Raum begegnet bei diesen Blättern der schwarze Strich dem weißen Grund, entstehen Kontraste in Dunkel und Hell, von Vorne und Hinten, steht das belebte Netz der feinen Striche mit dem ruhigem Grund des Blattes in einem Wechselspiel. Das Auge und die Reflexion über das, was zu sehen ist, werden permanent gefordert. Das Erstaunliche an der Erfahrung mit diesen Blättern ist: Man macht sie immer wieder, sogar immer wieder neu. Denn nimmt das Betrachten der Blätter im Moment des Sehens auch ganz gefangen, eröffnet sich dieser Prozess beim nächsten Blatt doch abermals, nach kurzem zeitlichem Abstand beim gleichen Blatt sogar so, als habe man es nie gesehen und betrachte es zum ersten Mal. Wie ungewöhnlich Gerhard Wittners Tuschearbeiten sind, zeigt sich auch daran, dass sie keiner künstlerischen Gattung zuzuordnen sind. Zeichnungen im strengen Sinne wird man sie kaum nennen können, fehlt ihnen doch – wie Stefan Gronert herausge- stellt hat – das wichtigste Element der Zeichnung: die Linie. Künstlerisches Hand-Werk sind Wittners Tuschearbeiten auf Papier aber allemal, denn jeder Strich stammt aus dem von seiner Hand geführten Zeichen-Werkzeug. Mechanische Hilfe oder eine maschinelle Ausführung der Striche, die fraglos gleichmäßigere Strukturen erbracht hätten, hat Wittner nicht in Anspruch genommen. Vielmehr entstanden seine Tusche- arbeiten in eben jener meditativ anmutenden Konzentration, die sie auch von ihrem Betrachter verlangen. Indem der Einzelne nahe vor die höchstens DIN A 4 großen Blätter tritt und dabei die Umwelt aus dem Blick verliert, kommt der Betrachter dem intensiven Akt des zeichnen-
den Künstlers nahe. Für seine Tuschen zog Wittner sich auf drei bis vier Stunden in sein Atelier zurück und vollendete die Blätter in einem Zug.
Ein weiteres Moment erscheint an Wittners Tuschearbeiten bemerkenswert. Die gleichmäßig strukturierten Farbflächen der Bilder, der Drucke und der Zeichnungen in Blei- und Farbstift lassen keine individuelle Handschrift erkennen. Diese findet sich aber sehr wohl und wohl absichts- voll in den Strichen und Punkten der Tuschearbeiten wieder, egal ob diese aus den frühen ’60er oder späten ’80er Jahren stammen. Zweifellos
sind Wittners Striche und Punkte kein künstlerischer Gestus, kein Ausdrucksmoment, wie auch in der Literatur zu lesen ist. Doch lassen sie, indem sie mal gleichmäßig, mal spitzer erscheinen, mal weder Anfang noch Ende besitzen, mal mit einem dunkleren Punkt am einen Ende den Ansatz des Stiftes anzeigen, lassen die Striche und Punkte die Hand eines Künstlers erkennen und sind in dieser Hinsicht individuell. Denn in Spuren erinnern sie an den künstlerischen Entstehungsprozess, der in den anonymisierten Oberflächen der Bilder, Drucke und anderen Zeich- nungen hinter dem vollendeten Werk verschwindet. Dabei ist allen Arbeiten Gerhard Wittners gemeinsam:
Sie fordern zum intensiven Betrachten heraus und führen damit zur Reflexion über das eigene Sehen. Da schwingt ein verhaltener Rhythmus in den frühen Linoldrucken, begegnen die Farbklänge zunächst deutlich kontrastiert, doch im Nebeneinander der farbigen Balken treten bald die leisen Veränderungen hervor. Da erscheinen die Farbstift-Arbeiten anfangs wie von einer gleichmäßigen Struktur überzogen, doch in winzigen Durchblicken schimmert nach einigem Betrachten zwischen den fein gewobenen Strichlagen der weiße Grund als lichthaltige Folie her- vor. Da wirken die ebenmäßigen Oberflächen der Aquarelle und Acrylbilder zuerst wie hermetisch geschlossene Folien, doch nach einigem Betrachten treten die fein nuancierten Farbverläufe und im Nebeneinander der Nuancen immer neue Farbklänge ins Auge.
Um zum Schluss die eingangs gestellte Frage aufzugreifen: Wie soll man über Gerhard Wittner reden?
Seinen Arbeiten sollte man sich wohl nähern, wie der Künstler selbst den Arbeiten anderer Künstler begegnet ist. – Dazu folgende Begebenheit: Wittner besuchte einen Malerkollegen in dessen Atelier, setzte sich vor eines der Bilder, versank in Schweigen und schaute; schaute und schwieg; ließ sich auch von der wachsenden Unruhe des Kollegen nicht stören; schaute und schwieg und sprach erst nachdemdas Bild zu ihm gesprochen hatte.

zahlreiche Einzelausstellungen (E) und Ausstellungsbeteiligungen (B),
im In- und Ausland seit 1952
(in den letzten 10 Jahren:)
2000:
l’intelligenzia della mano (triennale europea dell’incisione)
galleria d’arte moderna / Bologna   B
Arbeiten vor 1965
Dieter u. Gabriele Wittner (privat) / Frankfurt am Main   E
2001:
die Intelligenz der Hand (europäische Meisterzeichnungen)
Rupertinum / Salzburg  B
Metaphern des Lichts
Galerie König / Hanau  E
Arbeiten von Gerhard Wittner zum 75.Geburtstag
Dieter u. Gabriele Wittner (privat) / Frankfurt am Main   E
2002:
weiß wie Schnee
Kunstsammlungen Chemnitz   B
40 Jahre neue gruppe saar
Laboratorium – Institut für aktuelle Kunst / Saarlouis   B
hommage an Gerhard Wittner – Arbeiten der Jahre 1970–1980
Galerie am See (Carmen Weber) / Zug   E
Arbeiten auf Papier
Galerie Ucher / Köln   E
Arbeiten auf Papier
(Station 1) Museum für Kunst und Kulturgeschichte / Goch   E
Arbeiten auf Papier
(Station 2) Morat-Institut für Kunst und Kunstwissenschaft / Freiburg   E
2003:
Arbeiten auf Papier
(Station 3) KunstMuseum / Bonn   E
Arbeiten auf Papier
(Station 4) Kunstsammlungen / Chemnitz   E
2004:
Arbeiten auf Papier
(Station 5) Museum / Wiesbaden   E
Gerhard Wittner
Galerie Wack / Kaiserslautern   E
2005:
mit Bleistift – Zeichnungen aus dem Städel
Städel Museum / Frankfurt am Main   B
2006:
zum 80.Geburtstag
Dieter u.  Gabriele Wittner (privat) / Frankfurt am Main   E
2007:
when ever it starts it’s the right time
Kunstverein / Frankfurt am Main   B
Gerhard Wittner – Aquarelle, Elisabeth Arpagus – Malerei
Galerie Carmen Weber / Zug   B
Wittner anima_animus
Galerie Leßmann & Lenser finearts / Rodgau   E
overview
Galerie Leßmann & Lenser contemporary / Aschaffenburg   B
2008:
Croissant  Simeti  Wittner
Galerie Wack / Kaiserslautern   B
Präsentation zum 10.Todestag Gerhard Wittner
Dieter u. Gabriele Wittner (privat) / Frankfurt am Main   B
zur Kontingenz der Linie
Kunstraum Alexander Bürkle / Freiburg   B
2009:
XXL Sammlung
Kunstraum Alexander Bürkle / Freiburg   B
Gegenwart der Linie
Pinakothek der Moderne / München  B
résumé – Rückblick mit Ausblick
Galerie Ucher / Köln   B
2010:
AUGENblicke – Gerhard Wittner
Museum gegenstandsfreier Kunst / Otterndorf   E
Arbeiten von Gerhard Wittner
Galerie m50 (Gabriele D.Wittner) / Frankfurt am Main   E

Werke in öffentlichen Sammlungen:
Amt für Wissenschaft und Kunst / Frankfurt am Main
hessischer Rundfunk / Frankfurt am Main
hessisches Landesmuseum / Darmstadt
Institut für moderne Kunst / Nürnberg
Kunsthalle / Bremen
Kunsthaus / Zug (CH)
KunstMuseum / Bonn
Kunstsammlungen / Chemnitz
Museum für Konkrete Kunst / Ingolstadt
Museum /  Wiesbaden
Pfalzgalerie / Kaiserslautern
Sammlung Wolf und Ursula Hermann, Bremen / Münster
Sammlung McCrory Corporation / New York (USA)
Sammlung Lütze II / Sindelfingen
Sammlung zeitgenössischer Kunst der BRD / Bonn
Sprengel-Museum / Hannover
Staatsgalerie / Stuttgart
städtische Galerie im Städel Museum / Frankfurt am Main
Stiftung für konkrete Kunst / Reutlingen
Stiftung für konstruktive und konkrete Kunst / Zürich (CH)
Museum gegenstandsfreier Kunst / Otterndorf
Wilhelm Hack-Museum / Ludwigshafen

Biografie:
1926: (23.9.) Geburt in Heidelberg
1929: Übersiedlung der Familie nach Frankfurt am Main
Schulzeit, Militärdienst, Kriegsgefangenschaft
1946-47: Mal- und Zeichenkurse bei Theo Garve (Frankfurt am Main)
1947-51: Studium der Malerei bei Wilhelm Heise und Albert Burkart
(Städelschule, Frankfurt am Main)
1951-54: Studium der Malerei bei Xaver Fuhr (Akademie der bildenden Künste,
München)
seit 1954: tätig als freischaffender Künstler, Atelier (Frankfurt am Main)
seit 1957: entwickelt Wittner – nach abstrakter Malerei – systematisch konkrete
Bilder aus unter-schiedlichen Schwarzwerten mit relief-artig strukturierten Ober-
flächen
ab 1962: Im Zuge der Konzentration, verschwinden die gestischen Momente in
den Arbeiten. Wittner zählt damit zu den Künstlern, die das Informel überwinden
und damit die zweite Phase der deutschen Nachkriegsmalerei begründen.
1963/64: Das aktive Rot löst die schwarze Farbe, in den Arbeiten ab. Dann folgen
Gelb und unterschiedliche Grauwerte.
1966/67: Der Verzicht auf relief-plastische Momente setzt ein. Wittner geht über
zu einer einfachen überschaubaren Bildordnung; die Farbflächen scheinen neben-
einander schwerelos zu schweben und sich zu durchdringen; Grau zwischen hell
und dunkel, zwischen kalt und warm; das Quadrat wird Bildformat.
1972: (8.12.) Wittner erhält den ersten Dr.Reinhold Kurth-Kunstpreis, für das
Jahr 1972, der Stadtsparkasse Frankfurt am Main.
1976: Ein Stipendium der Bundesrepublik Deutschland ermöglicht den Aufenthalt,
für ein halbes Jahr, in der Cité international des Arts in Paris.
1976/77: Nach der Phase konzentrierter Reduzierung auf geringfarbig modulierte
Grauwerte, nimmt Farbigkeit zu und Farbabstufungen erhalten Gewicht.
1981: In Zusammenarbeit Wittners mit dem Galeristen Herbert Bossin und
Bernhard Kerber, der den einführenden Text verfasst, entsteht das erste Werkver-
zeichnis der Bilder für die Jahre 1960 -1980.
1984-86: für drei Semester lehrt Wittner, als Gastdozent, Malerei an der Städelschule
in Frankfurt am Main
1985: Heinz Gappmeyr und Gerhard Wittner gestalten gemeinsam das Buch „Heinz
Gappmeyr, Texte – Gerhard Wittner, Malerei“, das (im Auftrag des Instituts für
moderne Kunst, Nürnberg) von Heinz Neidel und Karl R.Schültke, im Verlag für
moderne Kunst Zirndorf – mit begleitenden Texten von Professor Dr.Gottfried Boehm
und Professor Peter Weiermair – herausgegeben wird
1986: zeigt der Frankfurter Kunstverein im Steinernen Haus die erste umfassende
Retrospektive mit Arbeiten Gerhard Wittners aus den Jahren 1959 bis 1985. Beglei-
tend erscheint ein Katalog mit Textbeiträgen von Professor Dr.Gottfried Boehm,
Heinz Gappmeyr, Ingrid Mössinger und Professor Peter Weiermair; sowie einer
Dokumentation über Leben und Werk Gerhard Wittners von Karl R.Schültke
1991: (21.11.) Gerhard Wittner erhält den Ehren-Dr.Reinhold Kurth-Kunstpreis, für
das Jahr 1990, der Frankfurter Sparkasse1822; aus diesem Anlass erscheint – in
Zusammenarbeit mit Professor Peter Weiermeir und der Edition Robert Wilk – ein
kleines Werkverzeichnis der Bilder, für die Jahre 1981-1991.
1996: entsteht, aus Anlass der Ausstellungen „Bilder und Zeichnungen 1970 -1996“
in Göttingen und Wiesbaden, das zweite Werkverzeichnis der Bilder für die Jahre
1960 -1996
1998: (21.10.) stirbt Gerhard Wittner in Frankfurt am Main
2002: zu einer retrospektivisch ausgerichteten Wander-Ausstellung mit „Arbeiten
auf Papier“ (Museum Goch, Morat-Institut / Freiburg, KunstMuseum Bonn,
Kunstsammlungen Chemnitz, Museum Wiesbaden), erscheint ein überarbeitetes
Werkverzeichnis der Bilder für die Jahre 1960 -1998

Bibliografie (Auswahl):
Horst Appel
Gerhard Wittner – Bilder und Zeichnungen
(Katalog) Forum der Stadtsparkasse, Frankfurt am Main (1981)

Günter Aust
Gerhard Wittner – Bilder und Zeichnungen
(Faltkarte) von der Heydt-Museum, Wuppertal (1978)

Andreas Bee
Gerhard Wittner
abstrakt konkret (Neuerwerbungen)
(Katalog) Wilhelm Hack-Museum, Ludwigshafen / Rhein (1986)

Matthias Bleyl
Kunst in Frankfurt 1987
(Katalog) Kunstverein, Frankfurt am Main (1987)
Gerhard Wittner
essentielle Malerei in Deutschland (Wege zur Kunst nach 1945)
Verlag für moderne Kunst, Zirndorf (1988)

Gottfried Boehm
Metaphern des Lichts, zu den Bildern von Gerhard Wittner
Heinz Gappmeyr, Texte – Gerhard Wittner, Malerei
Verlag für moderne Kunst, Zirndorf (1985)
Metaphern des Lichts, zu den Bildern von Gerhard Wittner
Gerhard Wittner – Retrospektive 1959-1985
(Katalog) Kunstverein, Frankfurt am Main (1986)
an der Schattengrenze – Hinweise zu den Zeichnungen Gerhard Wittners
Gerhard Wittner – Zeichnungen im Wilhelm Hack-Museums (Ludwigshafen)
Verlag für moderne Kunst, Zirndorf (1989)
das Sichtbare – das Unsichtbare (Notizen zu Gerhard Wittners Malerei)
Gerhard Wittner – Malerei (mit Werkverzeichnis der Bilder 1981-1991)
Portikus, Frankfurt am Main (zur Verleihung des Dr.Reinhold Kurth-
Kunstpreises der Frankfurter Sparkasse)
Edition Wilk, Friedrichsdorf (1991)

Günter Busch
Gerhard Wittner
3 Meister der konkreten Kunst: Bonfanti, Vordemberger-Gildewart, Wittner
(Katalog) Kunsthalle Bremen (1972)

Elisabeth Claus
Bilder der Stille – Gerhard Wittner und Wolfgang Habel
(Katalog) neuer Kunstverein, Aschaffenburg und Universitäts-Museum,
Marburg (1994)
Gerhard Wittner – Malerei und Zeichnungen 1962-1994
(Katalog) Kunsthaus Zug (1994)

Lorenz Dittmann
Gerhard Wittner – neue Arbeiten
Galerie Walzinger, Saarlouis
Privatdruck Ulrike u. Dr.Dieter Scheid, Überherrn-Berus (1988)

Kurt von Figura (zs.m.Volker Rattemeyer)
Gerhard Wittner – Bilder und Zeichnungen 1970-1996
Gerhard Wittner – Bilder und Zeichnungen 1970 –1996 mit Werkver-
zeichnis der Bilder 1960-1996
Kunstverein Göttingen und Museum Wiesbaden (1996)

Heinz Gappmeyr
Bilder des Unbegrenzten
Gerhard Wittner – Retrospektive 1959-1985
(Katalog) Kunstverein Frankfurt am Main (1986)

Stephan Gronert
das Vermächtnis von Seurat
Überlegungen zur kunsthistorischen Verortung der Zeichnungen
von Gerhard Wittner
Gerhard Wittner: Arbeiten auf Papier, mit Werkverzeichnis der Gemälde
1960-1998
(zur Tournee Arbeiten auf Papier) Museum Goch (2002)
an den Rändern des Sichtbaren – Gemälde und Zeichnungen von
Gerhard Wittner
Gerhard Wittner – Bilder und Zeichnungen 1970 –1996 mit Werkver-
zeichnis der Bilder 1960-1996
Kunstverein Göttingen und Museum Wiesbaden (1996)
über das Licht der Malerei
(Artikel) Gerhard Wittner wird siebzig
Frankfurter Allgemeine Zeitung, Frankfurt am Main (1996)
das Licht erkunden
(Artikel) Streifenbilder: zum Tod des Malers Gerhard Wittner
Frankfurter Allgemeine Zeitung, Frankfurt am Main (1998)

Matthias Haldemann
Gerhard Wittner – Malerei 1962-1994
(Katalog) Kunsthaus Zug (1994)

Christa von Helmolt
Frankfurter Künstler setzen sich durch
(Artikel) Frankfurt lebendige Stadt, Frankfurt am Main (1973)
Erneuerung der Malerei aus dem Licht von Paris
Besuch bei dem Frankfurter Künstler Gerhard Wittner in der „Cité des Arts“
(Artikel) Frankfurter Allgemeine Zeitung, Frankfurt am Main (1976)
Betörend frisches Spätwerk
neue Arbeiten von Gerhard Wittner
(Artikel) Frankfurter Allgemeine Zeitung, Frankfurt am Main (1997)
stiller Protest gegen die pop-art
zum Tod von Gerhard Wittner
(Artikel) Frankfurter Allgemeine Zeitung, Frankfurt am Main (1998)

Britta Hueck-Ehmer
Gerhard Wittner
(Artikel) das Kunstwerk, Stuttgart (1986)

Alf-Krister Job
die Bedeutung der Farbe WEISS in der Kunst nach 1945
Diplomarbeit im Selbstverlag, Hochschule für Gestaltung, Offenbach
am Main (1984)

Bernhard Kerber
Werkverzeichnis der Bilder 1960-1980
Galerie Edition Bossin, Berlin (1981)

Ingrid Mössinger
Gerhard Wittner – Bilder 1959-1985
Gerhard Wittner – Retrospektive 1959-1985
(Katalog) Kunstverein, Frankfurt am Main (1986)

Heinz Ohff
konkret 75 – Bilder und Serigraphien
(Katalog) Galerie Edition Bossin, Berlin (1975)

Volker Rattemeyer (zs.m. Kurt von Figura)
Gerhard Wittner – Bilder und Zeichnungen 1970-1996
Gerhard Wittner – Bilder und Zeichnungen 1970 –1996 mit Werkver-
zeichnis der Bilder 1960-1996
Kunstverein Göttingen und Museum Wiesbaden (1996)

Godo Remszhardt
Information 61
Galerie das Fenster (Dr.Horst Appel), Frankfurt am Main (1961)

M.Th. Schefczyk
Gerhard Wittner
rationale Konzepte
(Katalog) Galerie P.A.Szepan, Gelsenkirchen (1974)

Karl R.Schültke
Dokumentation über Leben und Werk Gerhard Wittners
Metaphern des Lichts, zu den Bildern von Gerhard Wittner
Gerhard Wittner – Retrospektive 1959-1985
(Katalog) Kunstverein, Frankfurt am Main (1986)

Walter Vitt
Gerhard Wittners graue stille Bilder
Gerhard Wittner – Bilder und Zeichnungen 1971-1975
(Katalog) Galerie Edition Bossin, Berlin (1976)
Gerhard Wittners graue stille Bilder
von strengen Gestaltern
Selbstverlag des Autors, Köln (1982)

Peter Weiermair
Gerhard Wittner – Bilder und Zeichnungen
Frankfurter Stadtsparkasse, Frankfurt am Main (1981)
Überlegungen zu den Zeichnungen Gerhard Wittners
Gerhard Wittner – Retrospektive 1959-1985
(Katalog) Kunstverein, Fankfurt am Main (1986)

Alex Winter
das schwarze Bild
(Katalog) Edition e (A.Winter, W.Waßermann), Dinkelscherben (1975

Es ist nicht die Aufgabe des Bildhauers Räume zu schaffen oder nur Symbole zu errichten, son- dern Formen zu finden, die dem Erlebnisbereich des Sinnlichen entstammen und nur dort ver- standen werden können. (Peter Knapp)
„Peter Knapp gehört zu den großen Begabungen unter den deutschen Bildhauern“, schrieb Christa von Helmolt 1973.
Galerie m50 – Mittler zwischen Atelier und Öffentlichkeit – möchte unter Beweis stellen, dass auch, 30 Jahre, nach dem viel zu frühen Tod des Frankfurter Künstlers Peter Knapp, diese Be- gabung nichts eingebüßt hat an Präsenz. Es ist ein bewegendes und, gleichsam, wichtiges Ereig- nis – nach 20 Jahren -, den Dialog mit Peter Knapps Arbeiten (wieder) aufzunehmen und fortzu-führen!
Peter Knapp wäre heute 70 Jahre alt. Anlass genug, die Harmonie seiner Steine (wieder) zu er- fassen – optisch und haptisch.
Die vollkommenen Monolithe überzeugen durch ihr Volumen, ihre Ruhe und ihre Dynamik. Sie sind aktuell, eben so, wie zu den Zeiten ihrer Entstehung!

Einzelausstellungen:
1968 Galerie Appel & Fertsch, (D) Ffm
1971 Galerie Appel & Fertsch, (D) Ffm
1972 Studio Berggemeinde, (D) Ffm
1975 Kunst für Blinde / Kur-Blindenheim, (D) Bad Homburg v.d.Höhe
1976 Skulpturen und Zeichnungen / Frankfurter Kunstverein, (D) Ffm
1979 Peter Knapp / Refugium des Karmeliterklosters / Amt für Wissenschaft
und Kunst der Stadt Frankfurt zs.m.Galerie Appel & Fertsch, (D) Ffm
1989/90 Peter Knapp / Studio 51 der Frankf.Aufbau AG zs.m.Galerie Appel &
Fertsch, (D) Ffm
2009 hommage an Peter Knapp / Galerie m50, ( D) Ffm

Ausstellungsbeteiligungen:
1966 Plastik in unserer Zeit / Orangerie, Erlangen
1968 Plastik in Hessen / Marilies Hess-Stiftung, Frankfurt am Main
Art Cologne / vertreten durch Galerie Appel & Fertsch, Frankfurt am Main
1969 35 Künstler in Frankfurt / Frankfurter Kunstverein, Frankfurt am Main
Art Cologne / vertreten durch Galerie Appel & Fertsch, Frankfurt am Main
10 Jahre danach / Galerie Appel & Fertsch, Frankfurt am Main
1970 Miniaturen 70 / Galerie 66, Hofheim/Ts.
1971 Forum / Stadtsparkasse, Frankfurt am Main
1972 kontraste / Buchmesse, Frankfurt am Main
1973 Gerhard Wittner und Peter Knapp / Forum der Stadtsparkasse, Frankfurt am Main
1974 Palmengarten, Frankfurt am Main
1975 artistes francofortois contemporains / Musée, (F) Lyon
artistes francofortois contemporains / (F) Orly
1976 Kunstmesse Basel / vertreten durch Galerie Appel & Fertsch, Frankfurt am Main
1977 Frankfurter Aufbau AG, Frankfurt am Main
1979 20 Jahre danach / im Refugium des Karmeliterklosters / Galerie Appel & Fertsch,
Frankfurt am Main zusammen mit Amt für Wissenschaft und Kunst / Stadt Frankfurt

Arbeiten im öffentlichen Raum:
(A) St.Margarethen
(D) Ffm-Eschersheim / Fried Lübbecke-Schule
(D) Ffm-Feuerbachstr. / Landesarbeitsamt jetzt: (D) Ffm-Saonestr.
(D) Wiesbaden / nassauische Sparkasse
(D) Ffm-Kalbächer Gasse (Freßgass)
(D) Otterndorf / Museum gegenstandsloser Kunst

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“… After the dialog with the stone is completed, the stone is a part of me and I am a part of the stone. … The observer can only experience the sculpture, when he is open to getting involved into the discipline art. … It is not the role of a sculptor to build spaces or symbols. He has to find forms which are based on sensual experiences and can only be felt within this experience. ” (Peter Knapp)
” … Peter Knapp is one of the greatest talents amongst German sculptors. His work of art is characterized by consistent quality. … ” (Christa von Hemolt)
The gallery m50 – mediator between the artist’s studio and the public – wants to demonstrate that the talent of Peter Knapp is timeless, even 30 years after he passed away.
It took 20 years until Peter Knapps works of art were shown at an exhibition. So it is emotional and important as well, that we can today (again) start and continue the dialog with Peter Knapps work of art.
This year Peter Knapp would have turned 70. This is reason enough, to grasp the harmony of his sculptures – visual and haptic.
The perfect monoliths convince with their volume, their inner tranquility and their dynamics. They are as contemporary today as they were when they were created 30 years ago.
The drawings are layouts, but we have to evaluate them as an independent work of art. Also within these drawings we can feel the energy of the stones.
The eyes rest on parts of the sculpture, but then are led back to the whole. The inner dynamic and the inner beauty is released by the stone and becomes independent. This is the special sensuality of Peter Knapps sculptures. Every momentum has its counter movement, every volume has its equivalence, baroque forms in a concrete measure. Every element has no sym- bolical association. It is concrete
for itself.
Sculptures and drawings form a unity between two-dimensional and tri-dimensionality, therefore they have to be shown together at an exhibition.

Der Künstler Eckhard Gehrmann wurde 1957 in Bad Homburg vor der Höhe geboren. Er studier- te von 1982 bis 1989 an der staatlichen Hochschule für bildende Künste Städelschule in Frank- furt am Main. Unterrichtet wurde er von Karl Bohrmann, Christian Kruck, Thomas Bayrle und Per Kirkeby.
Nach dem anfänglich Radierungen, Holzschnitte und Lithographien entstanden, überwiegen nun Ölbilder und Zeichnungen.
Die Orientierung an der Natur und den aus ihr entnommenen Elementen finden sich in seinen Arbeiten immer wieder. Nicht an den Gegenstand gebunden, dennoch geprägt von frühen in- tensiven Zeichenstudien, lassen Kolorit und Formensprache die Nähe zur Natur spüren.
Den Künstler interessiert die Auseinandersetzung mit Formen und Strukturen; aber nicht mit den konkreten einzelnen, sondern mit den sich wiederholenden allgemeingültigen. Diese For- men und Strukturen nehmen direkten Einfluss auf den Gestaltungsprozess. Viele Elemente – so z.B. Schichtungen (die “Raum” vermitteln) ebenso, wie abstrakte und grafische Strukturen – sind zu einem Ganzen verwoben. Während des Mal-Prozesses entwickeln diese Elemente ein “Eigen-leben” und die ursprüngliche Bildvorstellung tritt, gewollt, zurück.
Eckhard Gehrmann, der in Friedrichsdorf im Taunus lebt und arbeitet, erhielt 1991 den 1.Preis der Internationalen Senefelder-Stiftung (Offenbach am Main) für seine großformatigen Litho- graphien.

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Ausstellungen seit 1990 (Auswahl):
Museum Goch (Goch)
Marielies Hess-Stiftung im Hessischen Rundfunk (Frankfurt am Main)
Kunst-Raum-Akademie der Diözese Rottenburg-Stuttgart (Hohenheim)
Kommunale Galerie im Leinwandhaus (Frankfurt am Main)
Galerie Patio (Neu-Isenburg)
Art multiple (Düsseldorf)
Galerie F.A.C.Prestel (Frankfurt am Main)
Sammlung Kunsttreppe im Hospital zu heiligen Geist (Frankfurt am Main)
Pfalzgalerie (Kaiserslautern)
International biennial of sculptors and painters Mediterranean 2008,
Palace Milesi (Split / Kroatien)
Galerie m50 (Frankfurt am Main)

about the artist:
The artist Eckhard Gehrmann was born in 1957 in Bad Homburg vor der Höhe.
From 1982 until 1989 he studied at the academy of fine arts Städelschule in Frankfurt am Main. His teachers were Karl Bohrmann, Christian Kruck, Thomas Bayerle and Per Kirkeby.
While in the beginning mostly etchings, woodcuts and lithography were predominant, this is now superseded by oil paintings and drawings. His works of art reflect his orientation towards nature and the elements found therein.
Not limited by objects, but still influenced by his early intensive studies in drawing, his color- ing and the use of forms reveal the closeness to nature.
The artist is interested in dealing with forms and textures, not with one single item, but rather with the repetition of the generally valid. These forms and textures directly influence his crea- tive process. Many elements – like coats of colour, which project „space“ as well as abstract or graphic textures – are woven into a whole.
During the act of painting, these elements develop a „life of their own“ and the underlying per-
ception of the painting moves deliberately into the background.
Eckhard Gehrmann, living and working in Friedrichsdorf im Taunus, was awarded the 1st prize of the Internationalen Senefelder-Stiftung (Offenbach am Main) in 1991 for his large scale litho-graphies.