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Seit über 50 Jahre zählt der, 1929 geborene, Frankfurter Rolf Kissel zu den Vertretern
der Frankfurter Kunst- und Kulturszene.
Kissel studierte bei Professor Albert Burkart von 1965 bis 1961 in der Hochschule für
bildende Künste Städelschule in Frankfurt am Main, die er als Meisterschüler verließ
und, seit dem, als freischaffender Künstler, tätig ist.
Bereits 1961 hatte er seine erste Einzelausstellung in der Zimmergalerie Franck in
Frankfurt am Main. Klaus Franck äußerte in seiner Eröffnungsansprache:
…“Rolf Kissel hat seine Arbeiten folgerichtig ent-wickelt. In den Bildern ist alles drin,
was heute auf den Fahnen der jungen Kunst steht: Raum, Farbe, Form, Licht. …
Obwohl sich Kissel abseits des „Schlachtgetümmels“ aufhält. … Die Arbeiten sind von
enormer Eindringlichkeit. In ihrer streng disziplinierten Art sind es ernst zu nehmen-
de Werke.“…
Wenn man die kraftvollen, dennoch leisen, Arbeiten heute wieder sieht, ist man be-
geistert! Sie sind so neu, so frisch, so unverbraucht, so anregend – wie zur Zeit
ihrer Entstehung -, denn sie sind frei vom Zeitkolorit der 1960er Jahre. Kissel hat
sich – bis heute (!) – mutig den bestimmenden Strömungen des Kunstmarktes ver-
weigert.
Begonnen hat der Künstler mit schwarzen Bildern. – Schwarz, als der klanglosesten
Farbe, auf der jede andere Farbe stärker und präziser klingt, wie Kandinsky sie be-
schrieb; für Renoir war Schwarz die Königin der Farben.
Doch bald entwickelte sich Kissel hin zum Weiß, in dem – laut Kandinsky – alle
Farben und materiellen Eigenschaften verschwunden sind. Weiß, das Rolf Kissel
herauslöst aus der bloßen Materialität des Trägermaterials und es zum gleich-
rangigen bildnerischen Mittel erhebt.
Die Entscheidung für Weiß ist die Entscheidung zur rationalen Ästhetik.
Die Bilder – die schwarzen ebenso, wie die weißen – die Rolf Kissel selbst als Bild-
blöcke bezeichnet, sind charakterisiert durch den dicken Farbauftrag, der mit
Spachtel und Kamm geformt ist. Entstanden sind Strukturen, die in den Raum greifen,
ihn einbeziehen, Licht aufnehmen, Licht schlucken.
Raum aus Farbe und Struktur, freigehalten von emotionalen Aufschriften und undiffe-
renzierten Zufällen; dagegen voller Spannung, sichtbarer Ordnung und diszipli-
nierter Entschiedenheit. Denn: das spontane, unkontrollierte Malen, das so oder
so weiter betrieben werden könnte, entspricht nicht Kissels Auffassung. Deshalb
ist es für den Künstler wichtig, Bildelemente zu verringern und sie in ein berech-
netes Verhältnis zu bringen. So wird dem Betrachter nicht diffuse Sinn-Vermutung
abverlangt, sondern es wird eine überzeugende Entscheidung vor Augen geführt.
Das beeindruckend Raumgreifende und Plastische der Bilder findet sich auch in
den Papierarbeiten: der Auftrag der Farbe und die Geste der Gouachen erscheinen
als Relief: ein Rhythmisieren der Flächen durch Anschwellen, Abklingen, Verdichten
und Entspannen.
Die Arbeiten Rolf Kissels sind fern dem großen Pathos, dem Heroischen, dem Phrasen-
haften und Monumentalen. Klarheit der Formen und Farben. Sie haben nichts einge-
büßt von ihrem Eindruck, den sie beim Betrachter hinterlassen! Es ist eine Freude,
sie wieder zu sehen und zu erleben!

Ausstellungen (Auswahl):
1961:
(1.Einzelausstellung) Zimmergalerie Franck, Frankfurt am Main
1963:
neue Darmstädter Sezession, Darmstadt (auch 1979 – 2009)
Kissel, Galerie Falazik, Bochum (auch 1964, 1965, 1966, 1970)
1964:
das schwarze Objekt, Galerie ordo, Darmstadt
Kunst in Hessen, Kunsthalle, Darmstadt
1965:
Kunst heute, Mönchengladbach
Kunst in der veränderten Welt, Enneppe- Ruhr
aktuell 65 – internationale Avantgarde, (CH) Bern
1966:
internationale Ausstellung, Kamen
Rolf Kissel, Galerie am Dom, Frankfurt am Main
Galerie d, Frankfurt am Main
Kunst am Bau, städtisches Museum Leverkusen
internationale Plastik, Europa-Center, Berlin
1967:
deutscher Künstlerbund, Karlsruhe (auch 1970, 1976, 1977, 1978,
1980, 1984)
1968:
Kissel, Inter-Gallery, (B) Brüssel
Plastik in Hessen, Frankfurt am Main
Akademie von schone Kunsten, (B) Antwerpen
Galerie Klee, (I) Lucca
1969:
Kissel, Galerie Wirth, Berlin
Kunst und Kritik, Staatsgalerie Stuttgart
Museum, Wiesbaden
Von der Heydt-Museum, Wuppertal
Kunstverein, Frankfurt am Main
1971:
Kissel, Palazzo Strozzi, (I) Florenz
nassauischer Kunstverein, Wiesbaden
1972:
Galerie Lauter, Mannheim
1974:
Rolf Kissel, Werkstatt, städtisches Museum im Schloss Mors-
broich, Leverkusen
1975:
Musée des beaux Arts, (F) Lyon
Galerie Patio, Neu-Isenburg (auch 1993, 1996)
1976:
Galerie Seuss, Dreieich (auch 1977, 1979)
1977:
Rolf Kissel – Zeichnungen, städtisches Museum im Schloss Mors-
broich, Leverkusen
10 Künstler aus Frankfurt am Main, Rathaus, Offenbach am Main
1979:
Palazzo Reale, (I) Mailand
Aspekte der 60er Jahre, Galerie Loehr, Frankfurt am Main
Galerie d’Art d’Orly, (F) Paris
1980:
Vision – Reflexion, Frankfurt am Main
städtische Galerie, Tübingen
Goethe-Institute, (F) Marseille und Montpellier
Galerie ART ACTUELL, (F) Nancy und Lyon
1981:
Goethe-Institute, (EG) Kairo und (SY) Damaskus, (ETH) Addis Abeba
Phoenix, Alte Oper, Frankfurt am Main
1982:
Galerie Schoof, Frankfurt am Main
1983:
Sezessionshaus, (A) Wien
Kunstpalast, Düsseldorf
Galerie Lüpke, Frankfurt am Main (auch 1985, 1990, 1991)
1985:
Museum für moderne Kunst im Deutschen Architektur-Museum, Frankfurt
am Main
Kunsthalle, Darmstadt
Museum für zeitgenössische Kunst, (AM) Eriwan
Galerie Hild, Hanau (auch 1986, 1990, 1992)
1986:
Medium Zeichnung, Kunstverein, Frankfurt am Main
Kunstverein, (A) Graz
Kunstverein Rhein-Neckar, Mannheim
1987:
(P) Krakau
1988:
Galerie Abriss 42, Hamburg
1989:
Kunsthalle, Darmstadt
hessischer Rundfunk, Frankfurt am Main
1990:
kommunale Galerie, Frankfurt am Main
Museum für ausländische Kunst, (LV) Riga
Galerie Loehr, Frankfurt am Main
1991:
ART COLOGNE (Galerie Lüpke, Frankfurt am Main), Köln
1993:
Nahtstelle HASS – ikonografische Collage, Erlöserkirche, Frankfurt
am Main-Oberrad
1994:
sehen – lesen, Kunstverein, Frankfurt am Main

Künstler in Frankfurt, Deutsche Bank, Frankfurt am Main
ART FRANKFURT
Reduktion, (1200 Jahre Frankfurt am Main), Frankfurt am Main
Galerie Nr.48, Mainz
SMP; Frankfurt am Main
1995:
Briefe aus Weimar, Marilies Hess-Stiftung im hessischen Rundfunk,
Frankfurt am Main
Galerie Jensen, Hamburg
1996:
Briefe aus Weimar, NorddeutscherRundfunk, Hannover
Briefe aus Weimar, Stiftung Weimarer Klassik, Stadtschloss, Weimar
20 Arbeiten aus 40 Jahren, Galerie F, Bad Nauheim
1999:
Centre des Arcades, (F) Troyes und (GB) Chesterfield
2000:
plastische Grafik, Kunsthalle, Mannheim
2001:
KUNST Köln, internationale Messe, Köln
PCC Galerie, Weimar
2003:
artemis, Darmstadt
Rolf Kissel, PCC, Köln
100 Jahre deutscher Künstlerbund / Video-Präsentation, Berlin
2004:
Ballweg – Kissel – Neuwirth, Galerie F, Bad Nauheim
2005:
Rolf Kissel – weiß und weiter – 1960-2005, Stadtgalerie, Neu-
Isenburg
deutscher Künstlerbund, Berlin
ART COLOGNE, Köln
Kunst nach 1945, Museum, Wiesbaden
2006:
Stadtgalerie, Neu-Isenburg
2007:
Alltag jenseits der Schwerkraft, Diakonie Hessen-Nassau, Frankfurt
am Main
Rolf Kissel – Interventionen, Leßmann & Lenser Galerie fine arts, Rodgau
Symposium des deutschen Künstlerbundes „künstlerische Dynamik im
urbanen Raum“, Wilhelm Lehmbruck-Museum, Duisburg
2009:
Ein gewisses jüdisches Etwas?, Museum Judengasse im jüdischen Museum,
Frankfurt am Main
Galerie Leßmann & Lenser contemporary arts, Aschaffenburg
Rolf Kissel – von der Ästhetik des Raums, vom Klang der Bilder,
Karmeliterkloster, Frankfurt am Main
2012:
Rolf Kissel – konkrete Arbeiten der 1960er Jahre, Galerie m50, Frankfurt
am Main

Preise, Wettbewerb-Teilnahmen, öffentliche und private Aufträge:
1962: Kunstpreis der Jugend, Stuttgart
1963: Kunstpreis der Jugend, Stuttgart
1964: Licht-Relief RELATION 3, Waldschule, Leverkusen
1966: junge Kunst in Hessen, Frankfurt am Main
1967: Brunnen, Feuerwache, Frankfurt am Main-Höchst
1968: Beton-Relief, Haus Eder, Obertiefenbach
1970: Pendel-Objekt, Ziehenschule, Frankfurt am Main-Eschersheim
1971: Licht-Relief, Haus Schmitt, Bad Kissingen
1974: Licht-Relief, Kongress-Zentrum Rosengarten, Mannheim
1981: Hänge-Relief Blechharfe, Alte Oper, Frankfurt am Main
1982: Alu-Relief Mahntafel, Gewerkschaftshaus, Frankfurt am Main
1988: Raum-Relief, Gerichtssaal des Bundesarbeits- und Bundessozialgericht,
Kassel
1997: Farb-Relief LUX MUNDI, Erlöserkirche, Frankfurt am Main-Oberrad

Arbeiten in öffentlichen und privaten Sammlungen:
Arp-Museum Bahnhof Rolandseck, Remagen
Goethe-Nationalmuseum, Weimar
Kunsthalle, Mannheim
Museum für moderne Kunst, Frankfurt am Main
Museum, Wiesbaden
städtisches Museum im Schloss Morsbroich, Leverkusen
Sammlung Deutsche Bank, Frankfurt am Main
Sammlung hessischer Rundfunk, Frankfurt am Main
Städel Museum, Frankfurt am Main

(seit 1969) umfangreiche Bibliografie

Galerie m50 zeigt die ruhigen Arbeiten (Bilder, Papierarbeiten und Skulpturen)
von Susanne Binsack.
Die Künstlerin wurde 1938 in Königsberg (damaliges Ostpreußen) geboren. Nach
der Flucht in den Westen lebte sie in Norddeutschland. Durch den Beruf ihres Man-
nes  verbrachte sie 12 Jahre sowohl in Chile, als auch in Brasilien und in den USA.
Ihre Ausbildung zur Malerin erfolgte bei Prof.Hem Schüppel (Bad Homburg v.d.H.),
in der “Sommerakademie” (Salzburg), in der “American University” und der “Corcoran
School of Art” (beide in Washington DC).
Da Frau Binsack bereits als Jugendliche mit dem Malen und Zeichnen begann,
interessierten die erwachsene Künstlerin die unterschiedlichen Landschaften, die sie
bereits kennen lernte bzw. durch ihre Reisen erlebte. Landschaften mit ihren
differenten Lichtverhältnissen, Farben und Formen.
Wir erkennen die Formen der Landschaften, der Häuser, der Gegenstände im Still-
leben. Da sie aber nicht detailliert ausgearbeitet sind, kann sich der Betrachter
auf die ruhigen, oft geometrischen, Farbflächen konzentrieren, die man als „neben-
einander“ liegend empfinden kann – die Räumlichkeit ignorierend. Dabei wird –
vor allem in den „Häuser“-Bildern – auch der, eigentlich den Raum anzeigende,
Schatten zur (dreieckigen) Fläche und die dunkle Umrandung der gezeigten
Elemente wird zur, rein grafischen, Linie.
Die Farben sind fein nuanciert und steigern so das Empfinden von Fläche.
Die Figuren aus Speckstein – ein Mineral oder Gestein, dessen Hauptbestand-
teil aus Talk besteht und das bereits im Alten Orient, in Ägypten, in China und in
Skandinavien Verwendung fand, u.a. für Skulpturen – zeichnen sich aus, durch
ihre verschiedene Farbgebung, die von der Künstlerin Binsack genutzt wird, um
der Formgebung Ausdruck und Nachdruck zu verleihen. Visuell und haptisch
erfasst man die harmonische Komposition im Raum, ihre – in sich ruhende –
Bewegung.

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Einzelausstellungen:
1978 Bücherei, Bad Homburg v.d.H.
1981 Ulenspiegel, Gießen
1984 Fürstenbahnhof, Bad Homburg v.d.H
1987 Landon School, Bethesda (USA)
Weltbank, Washington DC (USA)
1988 Aaron Gallery, Washington DC (USA)
1989 Fürstenbahnhof, Bad Homburg v.d.H.
1990 Galerie Gres, Frankfurt am Main
Kunstforum, Seligenstadt
1991 Galerie am Savignyplatz, Berlin
1992 Galerie Gres, Frankfurt am Main
1993 Hewlett Packard, Bad Homburg v.d.H.
Galerie Charlotte, München
1994 Galerie Cismar, Grömitz/Cismar
Galerie am Savignyplatz, Berlin
Galerie Schrade, Lindau
Galerie Gres, Frankfurt am Main
1995 Galerie im Schlosspavillon, Ismaning
1996 Galerie Cismar in Hamburg
Galerie am Savignyplatz, Berlin
1997 Oberhessisches Museum, Gießen
Kunstforum Seligenstadt
Galerie Meyer, Lüneburg
1998 Galerie Meyer, Lüneburg
Galerie Peveling, Olpe
Kunsthaus Ratingen
1999 Galerie Mühlenstraße, Brühl
Kulturzentrum Englische Kirche, Bad Homburg v.d.H.
Galerie Meyer, Lüneburg
Rathaus Zwenkau bei Leipzig
2000 Galerie D.Schrade, Illereichen
Schloß Altmannshofen / Allgäu
Europa-Galerie, München
2001 Universität Tübingen
Galerie Leonardis, Oberursel
2002 Galerie Bernack, Worpswede
2003 Palais Rastede
Galerie 40, Wiesbaden
Museum und Galerie D.Schrade, Uigendorf
2004 Galerie Pless, Markkleeberg
Galerie Leonardis, Oberursel
2005 Kunstkabinett, Holzkirchen
Handwerkskammer Wiesbaden
2006 Galerie Elbchaussee Acht, Hamburg
2008 Galerie Bernack, Worpswede
Foyer des Kurtheaters, Bad Homburg
Galerie Dorothea Schrade, Leutkirch
2010 Freilichtmuseum Hessenpar, Neu Anspach
2011 Galerie m50, Frankfurt am Main

Ausstellungsbeteiligungen: (Auswahl)
The New Art Center, Washington DC (USA)
Weltbank, Washington DC (USA)
Künstlervereinigung Spectrum e.V., Bad Homburg v.d.H.
Galerie Schloß Mochental
ART Cologne
Galerie in der Klostermühle, Hude
Museum Charlotte Zander, Schloss Bönnigheim
Slovak National Gallery, Bratislava (SK)
st’art 98, Straßburg (F)
The Bruton Street Gallery, London (GB)
Art Jonction, Nizza (F)
art bodensee, Dornbirn (A)
Galerie Dorothea Schrade, Leutkirch/Diepoldshofen
Art Karlsruhe

Arbeiten von 1987 – 1997
02.10.2011 (Ausstellungseröffnung um 11h) - 30.10.2011
zur Eröffnung sprach Frau Direktorin Dr.Ulrike Schick,
Museum gegenstandsfreier Kunst (vormals Studio a)
in Otterndorf
http://www.studio-a.de

alle Informationen zum Künstler entnehmen Sie, bitte,
dieser Website / Rubrik Künstler

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Zeitgleich findet im Graphikkabinet des Museum Goch
eine Ausstellung von Papierarbeiten Gerhard Wittners
statt.  
http://blog.museum-goch.de/?p=1014

http://www.museum-goch.de

DI und DO: 16 – 19h,  SO: 11 – 14h  und nach Vereinbarung

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Diese Ausstellung ist initiiert von den Töchtern der Künstler Cornelia Kreutz-
Weissenberger, Juliane Steinberger-Steinbrenner und Gabriele Wittner.
Wir danken Frau Anne Steinbrenner für ihre freundliche Unterstützung und das
Bereitstellen von Text- und Fotomaterial.

Heinz Kreutz, Hans Steinbrenner und Gerhard Wittner kannten sich seit den
frühen 50er Jahren. Kennen- und schätzengelernt haben sie sich in der Zimmer-
galerie Franck in Frankfurt am Main.

Heinz Kreutz (* 31.12.1923 in Frankfurt am Main, lebt in Antdorf / Bayern)
ist der jüngste der vier Künstler (Bernhard Schulze, Otto Greis, Karl Otto Götz),
die 1952 als” Quadriga” in Frankfurt am Main auftrat.  Der Autodidakt Kreutz er-
hielt viele Anregungen durch Bernard Schulze zum Tachismus hat er sich sehr
viel zögerlicher bekannt, als seine drei Kollegen. Dafür war er derjenige, der die-
ser Kunstrichtung sehr viel konsequenter und länger treu geblieben.
Anfang der 60er Jahre suchte Kreutz nach neuen Bild- und Farbordnungen. Nach
vielen Aquarellen, also der intensiven Arbeit mit der spontanen und schnellen
Wassertechnik, Wunsch nach strengerer Ausdrucksform. Kreutz suchte nach
einem Gegenpol zu den Aquarellen, nach Widerstand auch im Materiellen.
Der Holzschnitt bot sich an, da er feste Linien und klare Flächen verlangt.
Architektonische Elemente (Säulen oder Bögen) wurden zusammengesetzt.
Es ging Kreutz um die Zusammenhänge zwischen Form und Farbe. Die inten-
sive Arbeit mit dem Holzschnitt leitete ein radikales Umdenken in Kreutz‘
Kunst ein. Der Vergleich zu denGemälden der vorangegangen Phase, macht
deutlich, dass ein völliges Umdenken nötig war, um Kreutz‘ künstlerische Ge-
danken jetzt auf den Holzschnitt zu übertragen: das harte Material verlangt
klare Linien, straffe Umrisse in der Form und die Beschränkung auf wenige
nuancen-armere Farben. Durch seine äußerste Disziplin und das sichere Em-
pfinden für die Balance der konstruktiven Elemente, überzeugt Kreutz auch hier.
Mit einem kleinen Geißfuß schnitt Heinz Kreutz große Umrisse und Proportionen,
die wirken, als wären sie gezeichnet mit Bleistift oder Feder. Feine, teils unter-
brochene Linien – gleich dem Rest einer tastenden Vorzeichnung – sind auch
im Endstadium zu sehen. Bei mehrfarbigen Holzschnitten hatte Kreutz die Möglich-
keit, frei nebeneinander, mehrere Platten zu schneiden; so entstanden,
manchmal unvorhergesehen, Überschneidungen – reizvolle und anregende Zufälle
– die bei nachfolgenden Kontrollen, über mehrere Zustände hin, ihr berechtigtes
Dasein beweisen mussten. Oder er schnitt die Platte für die Hauptfarbe, dann erfolgte
ein Druck. In diesen Druck zeichnete Kreutz, mit Pinsel und Wasserfarbe, eine neue
Farbe. Die Formen dieser neuen Farbe übertrug er, präzise mit Pauspapier, auf
eine neue Platte. So verfuhr er mit weiteren Farben.
In seinen Quadrate-Bildern (ab 1968) verwendete Heinz Kreutz nur drei verschiedene
Formelemente auf quadratischer Fläche. Das konstruktive Schema in zwei Dimen-
sionen erlaubt eine fast unbegrenzte Möglichkeit an Kombinationen, nach den
Gesetzen der Farbenlehre geordnet. Ausgangspunkt ist hier immer die obere linke
Ecke oder die rechte untere Ecke. Dies Arbeiten von Heinz Kreutz sind immer sym-
metrisch in Bezug auf die, die beiden Eckpunkteverbindende, Diagonale.
Die Beschäftigung mit der Farbenlehre Goethes, der Auseinandersetzung mit den
Farbtheorien Newtons und Schopenhauers, dem Studium der Schriften über Farbe
der Künstler Runge, Kandinsky und Klee, sowie dem anthroposophischen Ansatz
Steiners regt ihn an, selbst (1954) mit eigenen Aufzeichnungen über Zusammen-
hänge von Formen und Farben zu beginnen. (…) “Farbe ist als etwas Bewegtes zu
begreifen. Das Auge ist nicht nur Empfänger für Erscheinungen der ganzen Natur,
sondern besitzt die Fähigkeit, selbst Farbe zu erzeugen. Diese Farben sind physio-
logisch, im Gegensatz zu den Farben – aus Pigmenten oder Pflanzensäften gewon-
nen – des Künstlers. … Mein Auge vermittelt mir die farbigen Erscheinungen des
Weltbildes. Meine Farbvorstellung ist die Vergeistigung dieser Erscheinungen.
Ich mag sie durch das Auge und mittels meines Handwerks bildhaft darzustellen.
Die Kunst des Malens ist großartiges Handwerk und Vergeistigung der Farbe.”
(…) „Im Licht des Südens von Frankreich ist mir die Macht der Farbe erst richtig
zu Bewußtsein gekommen. In meiner Arbeit benutze ich allein Farbe als künstleri-
sches Gestaltungsmittel.“ (…)

seit 1951 jährliche Einzelausstellungen in Museen, Kunstvereinen und Galerie des
In- und Ausland

seit 1949 jährliche Teilnahme an Gruppenausstellungen in Museen, Kunstvereinen
und Galerien im In- und Ausland

seit 1962 zahlreiche Wandgestaltungen (u.a. Degussa-Werk bei Hanau, ev. Kirche in
Lohfelden, Eingangshalle der Verwaltungsschule in Hilden, ev. Kirche “canate domino”
in Frankfurt am Main (Römerstadt), Restaurant “Graf Zeppelin” im Flughafen Rhein-
Main, Deutsche Bank in Frankfurt am Main)

Bucheinbände für C.C.Buchners Verlag, Bamberg und Rimbaud Verlag, Aachen

Publikationen (Autoren) / Auswahl: K.O. Götz (1951), René Hinds (1953), Robert Lebel
(1953), Bernard Schultze (1954), Heinz Kreutz (1963, 1966, 1967, 1972, 1973, 1980,
1989, 1997, 2002), Ewald Rathke (1965, 1971), Michael Seuphor (1957), Ludwig Baron
Döry (1959, 1960), William E. Simmat (1960), Ursula Geiger (1973, 1991, 1996, 1997),
Nele Gabler (1992), Christa Lichtenstern (1996, 1997), Anette Völker-Rasor (2004)

künstlerischer Werdegang bis in die 70er Jahre:
1940: Ausbildung zum Fotografen
1940 – 44: Kriegsdienst (Stalingrad); schwere Verwundung, beginnt im Lazarett
(Marburg) zu zeichnen
1945: Versuch, in der Werkkunstschule (heute: HfG) Offenbach am Main zu studieren
scheitert
1946: Versuch, sich in der Klasse für Zeichnung und freie Grafik (Prof. Franz-Karl
Delavilla) einzuschreiben; der Versuch scheitert wegen unüberbrückbaren Differenzen
mit Delavilla wegen unterschiedlicher künstlerischer Auffassung
(bis ca. 1958 verdient Kreutz den Lebensunterhalt für sich und seine Familie mit Weiß-
binder-Arbeiten und gelegentlichen fotografischen Aufträgen)
1946 – 48: Kreutz arbeitet autodidaktisch; angeregt durch Arbeiten von Paula Moder-
sohn-Becker, Franz Marc, Emil Nolde und Max Beckmann entstehen spätexpressionis-
tische Arbeiten (Selbstportraits, Akt- und Tierstudien, Stillleben, Landschaften und bib-
lische Szenen)
1948: Beginn der Freundschaft mit Bernard Schultze; erste Schritte hin zur Abstraktion
und zur Syntax (Herstellen des Gleichgewichts im Bild, Prüfen der Nachbarschaft von
Farben)
1951: Mäzen Werner Jordan ermöglicht Kreutz einen halbjährlichen Aufenthalt in Paris
(Kreutz arbeitet im Atelier von Bildhauer Raymond Delamare); in den Bildern von
(u.a.) Claude Monet, Pierre Bonnard, Fra Angelico und Paolo Uccello entdeckt er – eben-
so, wie im Licht der Provence, in die er reisen kann – die Klarheit der Farben und
deren Hell-Dunkel-Wirkung;
ab 1952: erste Einzelausstellung (Zimmergalerie Franck in Frankfurt am Main); im Dezem-
ber: Gemeinschaftsausstellung mit Otto Greis, Kurt Götz und Bernard Schultze unter dem
Titel “Quadriga” in der Zimmergalerie Franck in Frankfurt am Main. (Die Ausstellung sollte
ursprünglich den Namen „Neu-Expressionisten“ tragen. Noch am Eröffnungsabend wurde
aus der gemeinsamen Ausstellung der vier Künstler die” Quadriga”.) Diese Ausstellung ist
in die Geschichte der Nachkriegskunst in Westdeutschland eingegangen und eröffnete
den vier Künstlern den Zugang zum internationalen Informel
1952 – 59: die Gemälde von Heinz Kreutz zeichneten sich zum Beginn des Informel
durch ihre heftig wilde Formensprache und eine in Schichten gestaffelte Raumtiefe
aus. Ähnlich wie Otto Greis suchte er in den späteren 1950ern einen Weg aus der
Formensprache der tachistischen Malerei heraus und fand, insbesondere über das
Studium der japanischen Kalligrafie zu einer konzentrierten und klaren malerischen
Sprache. Neben seiner Malerei hat Kreutz in der Zeichnung zu einem eigenständigen
Umgang mit Form und Farbe gefunden. Bilder in Öltechnik (Kreutz‘ lyrischer Tachis-
mus), aber auch Zeichnungen und Collagen entstehen.
ab 1960: beginnt Heinz Kreutz sich, schrittweise, für die konstruktiven Gestaltungs-
möglichkeiten der Farbe zu öffnen; die Ölmalerei wird – zu Gunsten des schwarz-weiße
und farbigen Holzschnittes – aufgegeben; Beschränkung auf wenige Farben und Formen;
diese formale Strenge wirkt auf die nachfolgenden Arkaden-Bilder und die daraus ent-
wickelten Quadrate-Bilder
1964 – 66: Bleistift- und Farbkreidezeichnungen; Aquarelle; Manuskript der Farben-
lehre
1967: Studienaufenthalt und Stipendium an der Cité internationale des Arts in Paris
1971 – 73: war Kreutz Gastdozent an der Hochschule für Gestaltung in Offenbach am
Main.

2002: wurde Heinz Kreutz zusammen mit den andren Quadriga-Begründern mit dem
“Binding-Kulturpreis” ausgezeichnet

Quellen: “Heinz Kreutz Sonnengesänge” (Prof. Dr. Christa Lichtenstern) / 1997, “Die Male-
rei der Quadriga und ihre Stellung im Informel” (Dr. phil. Ursula Geiger) / 1987, “Holz-
schnitte – Werkverzeichnis 1960 – 1989″ (Heinz Kreutz) / 2006, “Quadriga” (Dr. phil
Ursula Geiger zur Ausstellung 12/1996 – 1/1997 im Kundenzentrum der Frankfurter
Sparkasse) / 1996, “Biografie” (Lothar Romain, Klaus Staudt im Katalogbuch des studio a –
sammlung zeitgenössischer kunst in Otterndorf) / 1987

……………………………………………………………………………………………………………………

Hans Steinbrenner (* 25.3.1929 in Frankfurt am Main, † 18.6.2008 ebenda)
Steinbrenners Werk, dessen erste Skulpturen auf das Ende der 1940er Jahre datieren,
stand anfangs noch unter Einfluss seiner Lehrer. Er schuf klassisch geprägte Einzel-
und Gruppenfiguren, die noch weitgehend der klassischen figürlichen Auffassung
verpflichtet sind. In der Folgezeit ist jedoch eine spürbare Ablösung und Entwicklung
zu eigenen Formfindungen ablesbar, bis Mitte der 50er Jahre eine Gestalt, die man
als “Formkörper” bezeichnen könnte, entstanden ist. Nun beginnt, nicht zuletzt unter
dem Eindruck der Begegnung mit Skulpturen von Brâncuși (1876–1957) und
Laurens (1895–1954) in Paris, die Phase der Gestaltung biomorpher Figurationen
und Kompositionen. Zwischen 1957 und 1960 entsteht der Großteil dieser aus weichen,
runden Formen gebildeten und vom Raum umspülten, vom Raum durchdrungenen
Arbeiten, die meisten davon aus Holz, mit denen Hans Steinbrenner erste internationale
Aufmerksamkeit erregt. Zu Beginn der 60er Jahre setzt dann nochmals eine entscheiden-
de Wende im bildnerischen Schaffen ein: “Etagenfiguren” entstehen. Konsequent entwickelt
sich das Werk Steinbrenners dann bis heute zu immer größerer, konstruktiver Strenge: Aus
dem Holz- oder Steinblock, den er durch seine Bearbeitung rhythmisiert, dynamisiert und
klar strukturiert, entstehen Steinbrenners “Figurationen”, die trotz aller Abstraktion das figürliche
“Inbild” sichtbar werden lassen.
Die Hölzer weiten und verdrehen sich, je nach Wuchs. Die Steine verändern sich mit dem,
sich verändernden, Licht. Länge – Breite – Höhe, Volumen – Raum, aufeinanderge-
tapelte Quader und Kuben, verschachtelt und kraftvoll ausbalanciert. Das Material
bestimmt das Aussehen: die Steine ruhen, in den Hölzern ist das Wachsen noch spürbar.
(…) „ Wenn ich Stein bearbeite, dann ist das wie Einatmen, die Tätigkeit geht langsam
voran. Wenn ich Holz bearbeite, ist das wie Ausatmen, die Tätigkeit geht schneller voran.
Ich mag diesen Rhythmus in meinem Schaffen. … In einer dynamischen Lebens-
situation bevorzuge ich Holz, weil das dynamisch mit der Axt bearbeitet sein will; in
einer konzentrierten Lebensphase wähle ich den Stein, der mich zu einer monotonen Sach-
lichkeit zwingt.“ (…) Die Skulptur ist ein Komplex mit vielen Eigenschaften und Elementen.
Zunächst ist da das Körperhafte, das bedingt ist durch sein Material. Die Beschaffenheit
der Oberfläche, die Farbe des Objekts, seine Konstruktion und damit seine ganz bestimmte
Präsenz im Raum und im gegebenen Licht entfalten die Faszination der Skulptur. Die Bronze-
Arbeiten können sowohl Abgüsse von Modellen sein, als auch eigens konstruierte Werke.
Steinbrenners intensive Auseinandersetzung mit dem Kubismus und das formale Konzept
der konkreten Kunst sind bestimmend für seinen Arbeitsprozess: Beschränkung auf den
rechten Winkel, auf Vertikale und Horizontale. Maß gegen Maß, Volumen gegen Volumen.
Im Fortführen der der klassischen Bildhauertradition bleiben für Steinbrenner und seine
körperhafte Gestaltung bestimmend.

künstlerischer Werdegang bis in die 70er Jahre:
1944 – 45: zusammen mit seinen Jugendfreunden Albert Mangelsdorff und Otto
Oppersheimer im Widerstand als “Edelweißpirat”
1945 – 47: arbeitet autodidaktisch als Grafiker und Plakatmaler bei der US-Armee
in Frankfurt am Main
1946 – 49: Studium (u.a. Werbegrafik) (Prof. Erich Fornhoff) in der Werkkunstschule
(heute: HfG) Offenbach am Main; bereits hier fällt den Professoren auf, dass
Steinbrenner zeichnet, wie ein Bildhauer
seit 1946: Beschäftigung mit Grafik, Schrift, Zeichnung und dem Expressionismus; Beginn
der Malerei nach der Natur (Vorbilder: Max Beckmann, Ludwig Kirchner u.a.)
seit 1948: Beginn der gegenständlichen Bildhauerei (Vorbilder: Wilhelm Lehmbruck und
Hermann Blumenthal)
1949 – 52: Studium der Bildhauerei (Prof. Hans Mettel) in der staatl. Hochschule für
bildende Künste “Städelschule” in Frankfurt am Main; es entstehen zahlreiche Akt-Zeich-
nungen, kleine Plastiken in Ton oder Gips, Skulpturen Holz oder Stein zum klassi-
schen Bildhauer-Thema menschliche Figur; daneben entsteht gleichwertig ein grafisches
Werk
1952: Kunstpreis Eisen und Stahl in Düsseldorf; nach Streit mit Prof. Mettel – wegen des-
sen strengen und autoritären Auftretens – verlässt Hans Steinbrenner die “Städelschule”
1952 – 54: Studium der Bildhauerei (Prof. Toni Stadler) / Meisterschüler in der” Akademie
der bildende Künste” in München; von Stadler besonders auf die französischen Bildhauer
Auguste Rodin, Aristide Maillol, Charles Despiau und Henri Laurens hingewiesen, erkennt
Steinbrenner seinen weiteren bildhauerischen Weg
1954: Dozent für Steinschrift in der staatl. Fachschule für Steinbearbeitung in Wunsiedel
1955: Stipendium des Kulturkreises im Bundesverband der deutschen Industrie
1956 – 60: Weiterentwicklung in den Skulpturen (in Holz, Stein, Bronze und Terracotta) hin
zu eigenen – biomorphen – Formen und der Abstraktion bis hin zur endgültigen Befreiung
vom Abbild; Beginn der Entwicklung architektonischer Formen; regelmäßige Reisen nach
Paris; dort Begeisterung für die Arbeiten von Jaques Lipchitz, Henry Moore, Henri Laurens
und Hans Arp [(…) „Ich bewundere bei Arp die Reinheit der ganzen gegenstandslosen Form.“(…)]
1958 bis 1964: erarbeite Hans Steinbrenner, zusammen mit seinem Bruder Klaus, viele
Skulpturen (u.a. die 5m hohe Große Holzfigur, die auf der documenta III (1964) in Kassel
in der Abteilung „Aspekte 64“ gezeigt wurde)
seit 1961: Beginn der kubistisch-abstrakten Figuren (meistens aus Holz oder Stein), begleitet
von Federzeichnungen; Entwicklung der, aus rhomben- und trapezförmigen Elementen
gebildeten, gestaffelten, Etagenfiguren
1963: Teilnahme am Symposium europäischer Bildhauer in Berlin; erste Begegnung mit
der abstrakten Malerei von Otto Freundlich, dessen Elementarismus für die eigene
Entwicklung bestimmend wird
1966 + 67: Steinbrenner nimmt die Malerei wieder auf; es entstehen abstrakte schwarze
Bilder; seit dieser Zeit entstehen Bilder und Skulpturen gleichwertig; Stipendium der BRD
für die Cité internationale des Arts in Paris; hier entstehen die weißen Bilder und Ytong-Skulp-
turen

seit 1952 jährliche Einzelausstellungen und Beteiligung an Gruppenausstellungen in
Museen, Kunstvereinen und Galerie im In- und Ausland

seit 1999 war Steinbrenner Mitglied der Bayerischen Akademien der Schönen Künste

Arbeiten in Museen und öffentlichen Sammlungen:
(B) Antwerpen, Aschaffenburg, Bad Homburg vor der Höhe, Bremen, Bremerhaven,
Bochum, Bonn, Bottrop, (F) Cambrai, (USA) Cambridge / MA, (PL) Chelm, Detmold,
Duisburg, Dreieich-Buchschlag, Frankfurt am Main, Friedberg / Hessen, Fuldatal,
Gießen, Heidelberg, Karlsruhe, Kassel, Kaiserslautern, Kirchähr, (F) Mâcon, Marl,
Neu-Ulm, Offenbach am Main, Otterndorf (Kreis Cux-aven), (F) Paris, (F) Pontoise,
Saarbrücken, (J) Sakura, (J) Sapporo, Schwäbisch Hall, (NL) Scheveningen-Den Haag,
Schweinfurt, St.Augustin, St.Wendel, (J) Tome-City, (J) Tōkyō, (F) Valenciennes,
Wiesbaden, Wiesbaden-Walluf, Weilburg / Lahn, Würzburg,

Publikationen (Autoren) / Auswahl: Irmtraud Schaarschmidt-Richter (1959, 1985, 1996),
Michel Seuphor (1959), Horst Appel (1965, 1979), Hans Steinbrenner (1965, 1968,1974,
1975), Christa von Helmolt (1979), Heinrich Hahne (1983, 1984, 1987, 1990, 1991),
Ingrid Mössinger (1987, 1989, 1991), Lorenz Dittmann (1987, 1988, 1993, 1994, 1997,
2000), Christa Lichtenstern (1987, 1990, 1995, 1996, 2002), Rainer René Müller (1986,
1988, 1990), Ursula Geiger (1991), Claire Hellweg (1990, 1993), Ursula Grzechca-Mohr
(1996,  2000, 2006), Marie Lapus (2002), Peter Iden und Rolf Lauter (1985), Jo Enzweiler
und Ilmar Schichtel (2004)
Quellen: Hans Steinbrenner – kraftvolle Einfachheit (Georg Hüter in „Hans Steinbren-
ner, Gleichnis der Harmonie, Skulpturen“) / 2009, Ich mag Getriebene – Gedanken zu
Arbeit undPerson Hans Steinbrenners (Dietz Eilbacher in „Hans Steinbrenner, Gleich-
nis der Harmonie, Skulpturen“) / 2009, Steinbrenner und Cézanne, Marées, Mon-
drian (Prof.Dr. Lorenz Dittmann in „Hans Steinbrenner, Gleichnis der Harmonie,
Skulpturen“) / 2009, Hans Steinbrenners Skulptur im Vergleich mit Bildhauer-
theorien des 20.Jhs. (Dr. Ursula Grzechca-Mohr zur Ausstellung „Hans Steinbrenner,
Gleichnis der Harmonie“ im Museum Gotisches Haus in Bad Homburg v.d.Höhe) / 2009

…………………………………………………………………………………………………………..

Gerhard Wittner (* 23.9.1926 in Heidelberg, † 21.10.1998 in Frankfurt am Main)
Informationen zum Künstler entnehmen Sie, bitte, dieser website in der Rubrik
“Künstler”. Vielen Dank!

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Zunächst arbeitete Brühl figürlich. Daran interessierten ihn jedoch nicht das
Volumen und die Auseinandersetzung mit der menschlichen Figur, auch nicht
mit deren Abbild. Ihn beschäftigten die Winkel zu einander oder solche von Kör-
per und Raum. Die Senkrechte / das Ste-hende und die Waagerechte / das Lie-
gende (gleich der Positiv- / Negativ-Beziehungen im Relief) als elementare Positio-
nen treten mehr und mehr in den Mittelpunkt seiner bildhauerischen Arbeit, die
sich dem Figürlichen bald entledigt und sich dem Prinzipiellen zuwendet.
Brühls Arbeiten sind der konkreten Kunst, wie Theo van Doesburg 1924 es for-
mulierte, zuzuordnen. (“ … weil nichts konkreter – nichts wirklicher – ist, als
eine Linie, eine Fläche, eine Farbe … “)
Die schwarzen Reliefs und Plastiken aus Eisenblech, der 60er Jahre, bestehen
aus rechtwinklig zugeordneten Flächen, die Räume erzeugen und Raumbezüge
herstellen. Die quadratischen Eisenreliefs sind bestimmt durch eine Kreuz und
ein inneres Quadrat. Die Edelstahl-Plastiken der 70er Jahre sind stets aus den
gleichen Grundelementen zusammen gesetzt die, auf verschiedene Arten, ein-
ander zugeordnet sind. Diesen Arbeiten ist gleich, dass sie immer Quader
gleichen Rauminhaltes sind, aber – in verschiedenen Abmessungen – axial
übereinander stehen. Der Querschnitt bleibt hierbei quadratisch. – Es ergibt
sich ein Spannungsverhältnis zwischen Innen- und Außenraum, zwischen Hohl-
und Vollform.
Senkrechte und Waagerechte, in strengster Form einander zugeordnet, ergeben
Würfel und Quadrate. Dies in allen Möglichkeiten zu untersuchen hat Brühl
“ … zu ungeheuren Erlebnissen geführt. …”, wie er selbst sagte.
Es fällt auf, dass sich Hermann Brühl durchgängig der Symmetrie verpflichtete.
Symmetrie als Idealfall des Gleichgewichts, andererseits als dominante Ordnung,
die sich einer rein emotionalen Gestaltung und auch Rezeption entgegenstellt.
Die weißen abgestuften Stelen, entstanden ab 1976, sind bestimmt vom Prinzip
des Verlaufs. Sie sind oft zu mehreren Achsen symmetrisch. Diese Arbeiten
thematisieren den gestuften Übergang von der liegenden Platte zur stehenden
Stange – von der Waagerechten in die Senkrechte.
Brühls Arbeiten zeichnen sich durch Einfachheit aus – dem Ergebnis langer Re-
duktions- und Konzen-trationsprozesse – und vermitteln vielschichtige Wahr-
nehmungsprozesse. Sie sind Untersuchungen der bildnerischen Mittel und deren Be-
deutung und Wirkung.“ … Meine Formen sollen immer einfacher werden, immer
ärmer, bis fast nichts mehr passiert. … Denn ich möchte eine komplizierte An-
gelegenheit auf ihre Grundprinzipien reduzieren. …”
Ebenfalls in den Zeichnungen und Streifenbildern finden die beschriebenen Pro-
zesse – in der Zweidimensionalität – statt. Die linearen Gitter der OP-Art (um 1960)
entwickelte Brühl weiter, gibt ihnen einen linearer Verlauf, als regelmäßige Zu-
und Abnahme.
Bei seinem Professor Otto Baum lernte Brühl, neben dem Fachlichen, auch Ge-
duld und Beständigkeit und die Treue zu sich selbst.
Würde aus Klarheit, Unverbogenheit und Geradlinigkeit zeichnen das Werk des
Bildhauers Hermann Brühl aus.
In unserer lauten Welt sind die einfachen Kunstwerke wichtig, denn sie strahlen
Ruhe aus,  regen an zu Konzentration und Meditation.

1918         geboren in Stuttgart
1932-36    Lehre und Tätigkeit als Mechaniker
1945         (nach dem Kriegsdienst) erste bildnerische Arbeiten
1951-53   Studium der Bildhauerei in der staatlichen Akademie der Bildenden
Künste (Stuttgart), bei Prof.Otto Baum
seit 1954   freischaffender Bildhauer in Konstanz
1997         gestorben in Konstanz

Einzelausstellungen (Auswahl):
1961  Galerie Appel & Fertsch (Frankfurt am Main)
Plastik der Gegenwart (Bregenz)
1970  Studio Berggemeinde (Frankfurt am Main)
1976  Kunstverein Heidenheim e.V.
1980  Galerie auf der Empore in der Universität Konstanz
1981  Haus an der Mehlwaage (Freiburg im Breisgau)
1988/89 Repères, Galerie Lahumière (Paris)
2011  Bildhauer-Arbeiten, Galerie m50 (Frankfurt am Main)

Ausstellungsbeteiligungen (Auswahl):
1962/63  Skulptur und Plastik (Frankfurt am Main)
1966  Plastik unserer Zeit, Orangerie (Erlangen)
1968  Kunstmarkt Köln, vertreten von Galerie Appel & Fertsch (Frankfurt am Main)
1969  Ars accurata (Hamburg), vertreten von Galerie 66 (Hofheim)
1970  Miniatur international (Hofheim, München, Kassel, Paderborn, Offenbach am Main)
1978  das Kreuz, Deutsche Gesellschaft für christl. Kunst e.V. (anläßl. des 85.Katholiken-
tages), Freiburg im Breisgau
1984  Studio a (heute: Museum gegenstandsfreier Kunst) (Otterndorf), zs. mit Raimund
Gierke
1985   Sammlung Lütze II, städtisches Museum (Schwäbisch Gmünd)
1987  Kunstverein Heidenheim e.V., zs. mit Thomas Kitzinger
1989  Art Basel, vertreten von Galerie Lahumière (Paris)
1992/93  Repères, Stiftung für Konkrete Kunst (Reutlingen)
1994  Repères, Centre d’Art Contemporain (Saint Priest)
1997   Stiftung Repères, Musée des Ursulines (Mâcon)
1998   ein Frankfurter Freundeskreis, Skulpturen-Kabinett (Freiburg im Breisgau),
zs. mit Dietz Eilbacher, Georg Hüter, Dieter Oehm, Hans Steinbrenner / Einführung:
Christa von Helmolt
2001  die 2 Seiten des Raumes, Skulpturen-Kabinett Kemmerich-Lortzig (Freiburg im
Breisgau), zs. mit Helmult Albers, Peter Odenwaeller

Arbeiten im öffentlichen Raum und in Sammlungen:
Arbeitsamt (Konstanz)
Kirche St.Vinzenz Pallotti (Stuttgart)
Museum gegenstandsfreier Kunst (vormals: Studio a) (Otterndorf)
Skulpturenkabinett (Freiburg im Breisgau)
The Satoru Sato Art Museum (Nakada / Japan)
Vermessungsamt (Radolfzell)
Versorgungsamt (heutiges Notariat) (Radolfzell)

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Der Künstler Reiner Mährlein arbeitet mit den (in ihrer Urform flüssigen) Materialien Stahl („der Feste,
der Harte“) und Granit („Korn“). Er gestaltet Plastiken, in denen diese beiden Materialien eine wunder-
bare Spannung erzeugen, hervorgerufen durch ihre unterschiedliche Oberflächenstruktur, ihre unterschied-
liche Oberflächenfarbigkeit und durch die reduzierte, konzentrierte Gestaltung (Fläche – Volumen – Raum).
Mährleins Plastiken sind die Visualisierung von Kraftübertragung – mittels der beiden Materialien – und die Kommunikation von Form und Gegenform.
Diesem Gestaltungsprinzip sind, ebenfalls, die grafischen Arbeiten unterworfen. Und die beiden Materialien
Stahl (auch hier in verwittertet Form) und Granit sind auch hier wieder „Formgeber“: ihre Oberflächen werden
auf weiches Papier gedruckt und präsentieren ein farbiges, in den Raum dringendes Relief.

27.2.1959 geboren in Kaiserslautern
1979-1981 Steinmetz- und Steinbildhauerlehre / Stuttgart
1982-1985 Studium der Bildhauerei, Akademie der Bildenden Künste / Nürnberg (Prof.Wilhelm Uhlig)
1985/1986 Stipendium des Deutsch-Französischen Jugendwerkes zum Studium an der Ecole National
Supérieure des Beaux Arts / Paris (F)
1986 Paul Louis Weiller-Portraitpreis, Institut de France, Académie des Beaux Arts / Paris (F)
1986-1989 Fortsetzung des Studiums (ENSBA de Paris), Atelier für taille directe (Prof.Jean Cardot), (F)
1988/1989 monumentale Brunnenskulptur für Nixdorf-Computer France, Cergy-St.Christoph (F)
seit 1989 freischaffend
Kunst am Bau, Feuerwache / Hochspeyer
1993 Förderpreis der Arbeitsgemeinschaft Pfälzer Künstler / Kaiserslautern
seit 1993 Lehrtätigkeit (Abtl.Steinmetz- und Steinbildhauer und Metallbau/Metallgestaltung) Bereich:
Modellieren, Freihandzeichnen, Gestaltung, fachbezogene Stilkunde, Meisterschule für Handwerker /
Kaiserslautern
1994 Sickingen-Kunstpreis für Grafik des Landkreises Kaiserslautern
Lehrauftrag (Studium Generale bildhauerisches Bearbeiten von Stahl bzw. Stein), Universität / Kaisers-
lautern
Kunst am Bau, Alex Müller-Altenheim / Kaiserslautern
1995-1997 Dozent (Steinbildhauerei), Freie Schule für bildende Kunst „Pro Arte“ / Prissian (I)
1996 Lehrauftrag (Studium Integrale Stahl und Stein), Universität / Kaiserslautern
1998 Dozent (Steinbildhauerei), Freie Schule für bildende Kunst „In Arte“ / San Sebastiano (I)
2000/2001 Kunst am Bau, Jakob Kiefer Halle / Bad Kreuznach
2001 Plastik / Gemeinde Otterbach
2007 Kunst am Bau, Universitäts-Klinik / Mainz
2009 Kunst am Bau, Konversionsgebiet Husterhöhe / Pirmasens

Bildhauersymposien und Projekte:
1988 internationales Bildhauersymposion / Marino (I)
1989 internationales Bildhauersymposion / Digne-les-Bains (F)
1993/1994 internationales Stahlsymposion, auf dem Schrottplatz / Kaiserslautern
1995 Prometheus – Epimetheus (Kunstaktion, bildende und darstellende Künstler)
internationales Bildhauersymposion / Banska Stiavnica (SK)
1996 internationales Bildhauersymposion / Germersheim
1997 internationales Bildhauersymposion / Kaiserslautern
2000 City Garage Project / Columbia S.C. (USA)
2001 Heimat (Kunstaktion, Künstlerwerkgemeinschaft Kaiserslautern), Museum im Westrich / Ramstein
2002 Pfälzer Kunstdialog, Pfalzgalerie / Kaiserslautern
With – Without Distance (Kunstaktion, Künstlerwerkgemeinschaft Kaiserslautern mit Künstlern aus Colum-
bia S.C. (USA))
2004 little Size – Kleinformat (Kunstaktion, Künstlerwerkgemeinschaft Kaiserslautern mit Künstlern aus
Columbia S.C. (USA))
2005 Buch Objekt (internationales Kunstsymposion) / Kaiserslautern
2006 internationales Kunstsymposion / Banja Luka (BiH)
internationales Bildhauersymposion / Kaiserslautern
2007 internationales Kunstsymposion / Banja Luka (BiH)
2008 internationales Kunstsymposion / Neustadt an der Weinstraße

Einzelausstellungen (Auswahl):
1989 Galerie Waldherr / Kirchheimbolanden
1991 Kulturzentrum Kammgarn / Kaiserslautern
1992/1993 Galerie Schmitt+Zulauf / Freinsheim
1994 Kunstverein Neustadt an der Weinstraße
Gangway / Heidenheim
1995 Galerie de Lorenzi / Luxemburg (L)
1996 Pfalztheater Kaiserslautern
1997 Kahnweilerhaus / Rockenhausen
2000 Volksbank / Kaiserslautern
Landtag Rheinland-Pfalz / Mainz
Landesgartenschau / Kaiserslautern
2002 Galerie Mönch / Berlin
2003 Kunst im Crowne Plaza / Wiesbaden
Pfalzbibliothek / Kaiserslautern
Lewis & Clark Gallery / Columbia S.C. (USA)
2004 Deutsche Werkstätten Hellerau / Dresden
Galerie Mönch / Berlin
2005 Galerie in der TU / Kaiserslautern
2007 Galerie im Unterhammer / Karlstal bei Kaiserslautern
Galerie Mönch / Berlin
2008 if ART Gallery / Columbia SC (USA)

2011 Plastiken und Papierarbeiten, Galerie m50 / Frankfurt am Main

Ausstellungsbeteiligungen (Auswahl):
seit 1986 Academie des Beaux Arts / Paris (F)
Salon des Artistes Français, Grand Palais / Paris (F)
Palazzo Colonna / Marino (I)
Salon Internationale de la Sculpture Contemporaine / Paris (F)
Jeune Sulpture / Montbéliard (F)
Jahresausstellungen Kunst und Künstler in Rheinland-Pfalz / Kaiserslautern
Ausstellung zur Verleihung des Hans Purrmann-Preis’ / Speyer
Ausstellung zur Verleihung des Sickingen-Kunstpreis’
Ausstellung zur Verleihung des Albert Haueisen-Preis’ / Jockgrim
Ausstellung zur Verleihung des Kahnweiler-Preis’ / Rockenhausen
Ausstellung zur Verleihung des Pfalz-Preis’, Pfalzgalerie / Kaiserslautern
seit 1993 Kunstmesse art direct / (zunächst in) Pirmasens und (jetzt in) Mainz
1997 Start 97 (Messe für zeitgenössische Kunst) / Strassbourg (F)
2000 Streiflichter (125 Jahre Pfalzgalerie und Meisterschule für Handwerker) / Kaiserslautern
2003 Garage Art Project, South Carolina State Museum / Columbia SC (USA)
2006 Positionen zeitgenössischer Plastik, Kulturhof / Speyer
2007 if ART Gallery / Columbia SC (USA)
Interferenzen, Tuchfabrik / Trier
2008 Schöpfungszeiten, Stadtmuseum Villa Böhm / Neustadt an der Weinstraße
2009 Szenenwechsel – vom Atelier in die Bank, Kreissparkasse / Kaiserslautern
Ars Palatina, Château de Vianden / Luxemburg (L)
2010 Große Kunstausstellung, Kunsthaus / Nürnberg

Arbeiten im öffentlichen Raum und in Sammlungen:
Gemeinde Cergy-St.Christophe (Nixdorf Computer France) (F)
Gemeinde Pucisca, Insel Brac (HR)
Gemeinde Hochspeyer, Feuerwache
Alex Müller-Heim, Kaiserslautern
Marianne und Heinrich Lenhardt-Stiftung, Pfalzgalerie / Kaiserslautern
Land Rheinland-Pfalz
Stadt Kaiserslautern
Jakob Kiefer-Halle, Bad Kreuznach
Justizzentrum Kaiserslautern
Stadt Banja Luka (BiH)
HNO-Klinik, Universität / Mainz
if ART Gallery, Columbia SC (USA)
Stadt Neustadt an der Weinstraße
Konversionsgebiet Husterhöhe, Pirmasens

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Collagen / Materialbilder haben eine lange Tradition. Die ältesten Beispielen
stammen aus dem Japan des 12.Jhs: Die Kalligrafen gingen dazu über, die ihnen
anvertrauten Werke der Dichter auf solche Bögen zu schreiben, die mit zart-
farbigen Papieren beklebt waren. Die so entstandenen Kompositionen bestanden
aus unregelmäßig aneinander ge-fügten Flächenformen. Die gerissenen oder aus-
geschnittenen Konturen wurden, in Wellenform, mit dem Pinsel über tuscht. Die
Kalligrafen wählten diejenigen Collagen, als Unterlagen, aus, die am besten der
Dichtung entsprach. In eleganten Schriftzügen schrieben sie darauf. (Am berühm-
testen sind die aus 31 Silben bestehenden waka-Verse der Dichterin Ise.)
Die Technik der Collage (coller (frz.) = kleben), später der Assemblage (assembler
(frz.) = zs.fügen) wurde von den Künstlern um 1910 wieder entdeckt und, seit dem,
bis heute angewendet.
Die Kubisten arbeiteten mit hohem Abstraktionsgrad. Häufig zeigten sie Bildgegen-
stände zersplittert und von mehreren Seiten. Erstmals ergänzten sie ihre gemalten
oder gezeichneten Bilder mit echten Objekte (Tapetenreste,
Partituren-Fragmente, Zeitungspapier, u.v.a.), die sie auf das Trägermaterial auf-
klebten. Die papiers collés wurden die Grundlage der Kunsttechnik Collage.
Die Entwicklung der Collage war so gut möglich, weil sich die Denksysteme in der
Kunst, mit Beginn des 20.Jhs, stark
gewandelt haben. Diese Wandlung hat das Wesen der Collage begreifen lassen.
Erst die Verbindung der, vom Künstler geschaffenen, Darstellung mit der Wirklich-
keit der, vom Künstler eingeführten, realen Gegenstände macht das Kunstwerk les-
bar.
Das Kunstwerk soll in der gleichen Weise, wie die Realität, erlebt werden. Aber nicht
als zweite Welt jenseits der Wirklichkeit, sondern als ideelles Gegenüber.
Die eingefügten Elemente werden völlig der Komposition unterworfen, aber ihr Cha-
rakter und ihre Herkunft bleibt deutlich. – Betont werden muss, dass die Collage nicht
Ersatz ist, für Malerei. Das ästhetische Prinzip, nicht die Technik ist kennzeichnend.
Hans Arp fand mit seinen Collagen eine lyrische und poetische Interpretation von
Dingen und Formen. Jeder Gegenstand hat, neben seiner funktionellen, eine poten-
zielle Bedeutung.
Wie immer in der Kunst: die bildnerische Ordnung muss von äußerster Sensibilität
für die Form zeugen. Die Präzision der Komposition muss ebenso bewundernswert
sein, wie die Entfaltung des farbigen Reichtums.
Zu sehen sind Collagen von Inge Hölscher, entstanden in den Jahren 2008 und ‘09
im italienischen Volaterrae. – Die Künstlerin arbeitet, neben der Malerei und dem
Zeichnen, schon lange mit dieser Kunstform. Das Arp’sche Prinzip des poetischen
Blicks auf die Dinge des Alltags kommt dem Wesen der Künstlerin sehr entgegen.
Ihre Freude am Assoziieren und Kombinieren, das kreative Spielen mit Formen,
Farben und Findlingen ist ihr wichtig (äußert sie selbst).
Frau Hölscher kombiniert neu oder zerreisst bzw. zerschneidet Verworfenes, über-
malt und stellt wieder neu zusammen. Unter Eindruck der Werke Schwitters’ und
Ernst’ und denen ihres Lehrers Karl Bohrmann, arbeitet die Künstlerin begeistert
mit dieser Kunsttechnik.
Es macht Freude zu entdecken, wie Inge Hölscher in der Tradition Collage arbeitet
und dabei ihre persönliche Erlebnispoesie einsetzt.

Gabriele Wittner
verwendete Quellen: Ewald Rathke (Katalog zur Ausstellung Collagen aus 6 Jahr-
zehnten, Kunstverein Ffm, 1968); Eberhard Wagner: Herta Wescher Die Collage, 1968

Skulpturen
Ausstellung: 06.11.2010 – 07.01.2011
Einführung: Dr.Stephan Mann (Museum Goch)

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Dieter Oehms Skulpturen stehen in der Tradition der klassisch-abstrakten Bildwerke.
Dieter Oehm wurde 1947 in Bad Hersfeld geboren. Er studierte (1968/’69) in der Werk-
kunstschule (heute: HfG) / Offenbach am Main, von 1969 – ‘74 studierte er in der Städel-
schule / Frankfurt am Main Bildhauerei bei Prof. Michael Croissant (Meisterschüler), Kunst-
theorie bei Prof. Dr. Raimer Jochims und Druckgrafik bei Prof. Christian Kruck.
Von 1974 – ‘76 studierte Oehm Pädagogik (Diplom) in der Johann Wolfgang Goethe-Uni-
versität / Frankfurt am Main. Dieter Oehm lebt und arbeitet in Bad Vilbel (Hessen) und in
Hohenlohe (Baden-Würtemberg).
Aufgebaut aus kubischen Formen, bilden die Skulpturen komplexe Gefüge aus materiell
definierten und frei bleibenden Bereichen. Einer eigenen Tektonik gehorchend, fügen sich
diese beiden Bereiche in ein fragiles – fast instabil wirkendes – Gleichgewicht. Besonders
augenscheinlich ist dies bei Oehms hoch aufragen-den Stab- und Flächenfiguren, die in
ihrem Maß und in ihrer vertikalen Ausrichtung ebenso, wie in ihrer Verteilung von Masse
und Volumen, ausgewogen sind.
Die im Raum freistehenden Skulpturen, aus Holz oder Stein, scheinen aus additiv zusam-
men gesetzten Elementen zu bestehen. Tatsächlich aber sind sie subtraktiv aus einem Block
heraus gearbeitet. Der Künstler nutzt dabei alle Möglichkeiten des Materials.
Die fragile Balance und die innere Spannung lässt eine Energie entstehen, die sich dem
Betrachter sofort vermittelt.
Durch das Verschieben der einzelnen Massen, durch das Verziehen der Volumina entsteht
das Spannungsverhältnis von geschlossener Form und raumbezogener Komposition und die
Steigerung der Dynamik der gesamten Figur. Oehm stellt die Frage der Ponderation und der
Proportionalität neu.
Eine Skulptur nimmt Raum ein und verdrängt Raum. Bemerkenswert ist, dass der Bildhauer
Dieter Oehm die Verwandlung des Massiven in das räumlich Offene erreicht; durch die Flächen-
staffelung der Kuben und Stäbe. Sowohl in den Stelen, als auch in den massebetonten Arbeiten,
ist die Absprache zwischen den Volumen von asketisch-konkreter Strenge.
Dieter Oehm äußert: „Ich selbst möchte in meiner Arbeit erkennen und nicht wiedererkennen.“
Das kann nur gelingen, weil der Bildhauer in Dialog tritt mit seiner Arbeit und Freude daran hat,
dass jede Arbeit auch einen Erkenntnisgewinn bringt.
Diese Freude überträgt sich auf den Betrachter, der visuell und haptisch die Skulpturen ertastet.

Gabriele Wittner
verwendete Quellen: Dr. Beate Frosch Dieter Oehm Katalog Leßmann & Lenser Galerie (1997),
Dr. Friedhelm Häring zur Ausstellung im Dominikanerkloster (1998), Ben Reichardt Im Dialog
mit dem Kunstwerk (2010)

1968-’69:  Studium in der Werkkunstschule (heute: HfG) / Offenbach am Main
1969-’74: Studium der Bildhauerei bei Prof.Michael Croissant (Meisterschüler),
Städelschule / Frankfurt am Main
Studium der Kunsttheorie bei Prof.Dr.Raimer Jochims, Städelschule / Frankfurt am Main
Studium der Druckgragfik bei Prof.Christian Kruck, Städelschule / Frankfurt am Main
1969: Lehrauftrag für Druckgrafik, Städelschule / Frankfurt am Main
1973: Arno Leißer-Preis
1974-’76: Studium der Pädagogik, Johann Wolfgang Goethe-Universität /
Frankfurt am Main (Abschluss mit Diplom)
seit 1976: Lehramt für plastisches Gestalten und Zeichnen, staatlichen Akademie Hanau
1.Preis Landes-Bildhauerwettbewerb bewegter Stein / Wiesbaden
1985: Gastdozent in der Hochschule für Gestaltung / Offenbach am Main
1987: 2.Preis Skulpturen-Wettbewerb mit Platzgestaltung für den Campus der Fachhochschule Fulda (in Zusammenarbeit mit Landschafts- und Gartenarchitekt Heise, Frankfurt am Main)
1992: Projekt Skulptur und Landschaft / Hohenlohe
1999: Kunstbuch (Erstveröffentlichung)
2002: 1.Preis Wettbewerb für Granitskulptur (intern. Bildhauersymposium / Yach (Landkreis Emmedingen)

Einzelausstellungen (Auswahl):
1976: Galerie Ostertag / Frankfurt am Main
1977: Studio Berggemeinde / Frankfurt am Main
1979: Oberhessisches Museum / Gießen
1982: Installation und Skulptur Dominikanerkloster / Frankfurt am Main (Katalog)
1985: Galerie Katrin Rabus / Bremen
1985: Wasserfarbenbilder Eremitage / Bayreuth
1987: Grünanlage vor der Alten Oper / Frankfurt am Main
1988: Schloss Philippsruhe / Hanau
1994: Kunstverein / (Neuenburg-)Zetel
Leßmann & Lenser Galerie / Rodgau(-Jügesheim)
1995: Galerie Schrade / Lindau
1996: Landesvertretung Hessen / Bonn
1997: Leßmann & Lenser Galerie / Rodgau(-Jügesheim)
1998: Dominikanerkloster / Frankfurt am Main
Zeichnungen Juridicum der Johann Wolfgang Goethe-Universität / Frankfurt am Main
1999/2000: Retrospektive Museum / Goch
2000: Museum im Spital / Bad Hersfeld
2001: Skulpturenkabinett / Freiburg im Breisgau
2002: visuelle Partituren (Plastiken) Dominikanerkloster / Frankfurt am Main
2003: Galerie König / Hanau
2004: Plastiken und Zeichnungen Schloss Schillingsfürst / Schillingsfürst
2008: Skulpturen – Zeichnungen Kunsthalle / Gießen
2010: Kunstverein / Trier
Galerie Schiller / Heidelberg
Skulpturen und Zeichnungen Historisches Museum / Hanau
erkennbar aus einem Halle der Stiftung für Konkrete Kunst / Freiburg im Breisgau
Skulpturen Galerie m50 / Frankfurt am Main

Ausstellungsbeteiligungen (Auswahl):
1973-’76: Plastiken auf der Ziegelhütte Neue Darmstädter Sezession / Darmstadt
1973: Exerzitium Rom/Tivoli (internationales Bildhauersymposium)
first british international drawing Biennale / Middlesbrough
1975: Zeichnungen Airportgallery / Paris-Orly
Kommunale Galerie / Frankfurt am Main
1979: Skulpturengarten / Bad Nauheim
1980: Bildhauersymposium Mühltal / Langen (Hessen)
Skulpturen und Plastiken in Hessen Hessischer Rundfunk / Frankfurt am Main
Freiplastiken im Stadtgebiet / Osnabrück
1981: (Groß-)Skulptur Weserlust Kulturtage / Bremen
1982: Dominikanerkloster / Frankfurt am Main (Katalog)
1984: Holz Leinwandhaus / Frankfurt am Main
Bildhauersymposium / Gießen
1989: neue Gruppe Haus der Kunst / München
1990: neue Gruppe Haus der Kunst / München
1991: Kapitel 2 zur Kunst in Frankfurt Karmeliterkloster / Frankfurt am Main
1996: europäische Bildhauerzeichnungen Sparkasse / Esslingen
architektonisch-räumliche Visionen (europäische Malerei und Zeichnung) Sparkasse / Karlsruhe
1998: Art Frankfurt (vertreten durch Leßmann & Lenser Galerie, Rodgau) / Frankfurt am Main
3 hessische Künstler zu Gast in Kleipeda (Litauen)
frankfurter Freundeskreis Skulpturenkabinett / Freiburg im Breisgau
1999: Duettini Galerie König / Hanau
2000: MailArt Artmuseum / Dubai
2001: Galerie D.Chiquet / Basel
Romanik meets Modern Art / Bad Wimpfen
2005: 3 Steinbildhauer Galerie Netuschil / Darmstadt
2006: JAMBOREE Musem / Goch
2008: Croissant und seine Schüler Kunstverein / Speyer

Arbeiten in öffentlichen Sammlungen / in öffentlichem Raum:
an der Wasserburg, Bad Vilbel
an der Weser, Bremen
Berufsbildungswerk Südhessen, Karben
Chemische Untersuchungsanstalt des Landes Hessen, Wiesbaden
Danteplatz, Heidelberg (durch Galerie Dr.Uwe Hinkforth)
DirectBank, Frankfurt am Main
Druckerei Haußmann, Darmstadt
Hessische Landesbank, Frankfurt am Main
Johanniskirche, Hanau
Kirche St.Marien, Neu-Anspach / Taunus
Kurpark, Bad Wildungen
Land Hessen
Marktplatz, Bad Hersfeld
Mühltal, Langen (Hessen)
Museum Goch
Museum Schloss Philippsruhe, Hanau
Museum Würth, Künzelsau
Oberhessisches Museum, Gießen
Stadt Frankfurt am Main
Stadt Gießen
Stadt Yach (Kreis Emmendingen)
Stiftsbezirk, Bad Hersfeld

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1958, bereits mit 14 Jahren, begann Margit Matthews (Jahrgang 1944), in Düsseldorf, ihre Lehre
zur Fotolaborantin und danach zur Fotografin im namhaften Fotoatelier Hehmke-Winterer, das –
bereits seit 1935 – von Erna Wagner-Hehmke alleine geleitet wurde. Portrait- und Sachaufnahmen,
aber auch Industrie- und Werbe-Fotografie gehörten zur intensiven Ausbildung.
Praxis erlangte Frau Matthews während ihrer Tätigkeiten für Bayer Farbenfabriken (Leverkusen),
für die Werbeagenturen Dorland und Haase (beide in Düsseldorf), in Frankfurt am Main im Battelle-
Institut, im Frobenius-Institut und im Historischen Museum. Expeditionen und Exkursionen führten
sie zu den Felsbildern des Tassili (Sahara), in skandinavische Länder, nach Spanien, Mexiko, Jor-
danien, Israel, Jemen und in verschiedene Städte und Provinzen der VR China. Überall entstanden
wunderbare Fotoserien, von denen viele in Bildbänden, Kunstdokumentationen, wissenschaftlichen
Publikationen und Dokumenten zu Forschungsarbeiten veröffentlicht wurden.
Die Künstlerin Matthews arbeitet seit 1989 als freie Fotografin in Frankfurt am Main. Die Fotografie ist
das Malen, das Zeichnen mit Licht, mit Helligkeit.
Wie bei jedem Künstler ist das Erlernen und Trainieren des Handwerks und der Umgang mit denbzur
Verfügung stehenden Mitteln – beim Fotografen der Einsatz einer bestimmten Kamera-Art, die Aus-
wahl des Objektivs, der Belichtung; ebenso, wie die Techniken der Film- und Bildentwicklung (Ent-
wickler-Flüssigkeit und -Reaktionszeit), der Kenntnis der verschiedenen Fotopapiere – unerlässliche
Voraussetzung, zur Umsetzung der gestellten Aufgabe.
Die Ansicht Unkundiger, der Fotograf drücke lediglich auf den Auslöser, ist widerlegt! – Das ge-
schulte Auge des Fotografen entdeckt besondere Situationen, reizvolle Perspektiven, interessante
Farben usw. Vor seinem geistigen Auge entsteht sogleich das Bild, welches zu erzielen es gilt.
Bereits beim Fotografieren kann der Fotograf Einfluss nehmen; im Labor folgt die Ausführungund
Vollendung .
Wie jedem Künstler stehen auch dem Fotografen alle Freiheiten der Gestaltung und der Einsatz der
Mittel zur Verfügung.
Die Arbeiten von Margit Matthews zeigen, in ausgezeichneter Weise, wie präzise die Fotografin
arbeitet und wie die Künstlerin: in dem Moment, in dem der Fotograf aufhört, Naturalismus an-
zustreben und für sich die Vielzahl der Möglichkeiten restlos ausnutzt, setzt die künstlerische
Leistung ein.
Es darf keine Rolle mehr spielen, wo das Foto entstanden ist (Beispiel: die Strukturaufnahmen)
oder wie sich ein Objekt in seiner Gänze präsentieren würde (Beispiel: sowohl die bizarren Blüten-
formen mit ihrer starken Farbigkeit, als auch die „weißen“, fast ätherisch wirkenden) .
Einzig die Gestaltung, der sich durch die richtige Auswahl des Ausschnittes ergibt, ist maßgebend.
„In der schöpferischen Fotografie ist das Objekt ausschließlich Träger einer Idee.“, äußerte Andreas
Feininger.
Margit Matthews ist die Fotografin, ist die Malerin, ist die Zeichnerin mit Licht, mit Helligkeit, ist die
künstlerische Gestalterin.
(Andreas Feininger formulierte:) Die Dokumentfotografie ist dem Journalisten gleich – die schöpferische
Fotografie ist dem Schriftsteller und Lyriker gleich.

Ausstellungen (Auswahl):
1992:
(E) bewegte Stille, Frankfurter Volksbank / Börsenstraße, Frankfurt am Main
2002:
(B) form + farbe, AKM / Künstlerhaus Metternich, Koblenz
(B) Übergänge, KEG / McNair-Kaserne, Frankfurt am Main-Höchst
(B) Wertmöbel-Kunstausstellung, Fulda
2003:
(B) Künstler des Mittelrheins, AKM / Kuratorium für Kunst / Zehnthaus, Jockgrim
2004:
(B) Künstler am Beginn des 21.Jhs, AKM / Künstlerhaus Metternich, Koblenz
(B) Künstler des AKM, Petah Tikva (Israel)
(E) Fotos aus dem Jemen, Galerie im Gang “Alles künstlich”, Frankfurt am Main
2005:
(E) Fotos aus den Hutong in Peking, Galerie im Gang “Alles künstlich”, Frankfurt am Main
2007:
(B) Helke Stiebel – Margit Matthews, AKM / Künstlerhaus Metternich, Koblenz
(E) ein letzter Blick, Frankfurter Presseclub, Frankfurt am Main
2008:
(B) sechzig jahre akm – form + farbe, AKM / Künstlerhaus Metternich, Koblenz
(E) Bilder der Fotografin Margit Matthews, Anwaltskanzlei Link, Frankfurt am Main
2009:
(E) die Hutongs von Beijing, Konfuzius-Institut, Frankfurt am Main
2010:
(E) Zauber der Vergänglichkeit – Fotografien, Galerie im Gang “Alles künstlich”, Frankfurt am Main
(E) Arbeiten von Margit Matthews, Galerie m50, Frankfurt am Main